13 may. 2018

CATE BLANCHETT ENCABEZÓ UN RECLAMO POR EL #METOO EN CANNES

Una vez mas el movimiento #MeToo ocupa el centro de atención del mundo del espectáculo de Cannes ayer, cuando Cate Blanchett, así como otras artistas y cineastas se agruparon para agitar el tratamiento de las mujeres en el negocio del cine. 
Según informó Variety participaron 82 mujeres  una referencia al número de directoras que han subieron por la escalera de la Sala Lumiere, conocido como 'el Palais', sede del festival, desde 1983, y en la anterior, el Palais Croisette, desde su primera edición.
Desde 1946 al presente, 1866 directores hombres tuvieron esa exposición, dijo  Blanchett en un comunicado en el que las mujeres unieron sus voces: "Las mujeres no son una minoría en el mundo, sin embargo, el estado actual de la industria dice lo contrario",
"Como mujeres, todos enfrentamos nuestros propios y únicos desafíos, pero hoy nos unimos en estas escaleras como un símbolo de nuestra determinación y compromiso con el progreso", aseguró, logrando que su convocatoria se extendiera de inmediato.
"Somos escritoras, productoras, directoras, actrices, directoras de fotografía, representantes, montajistas, distribuidoras, agentes de ventas y todas los involucradas en las artes cinematográficas ", señaló junto a una gran cantidad de figuras mundiales.
La directora Agnes Varda agregó que "Las escaleras de nuestra industria deben ser accesibles para todos. Escalemos ", y todo el resto estalló en festejos, en referencia a un festival en el que solo tres de las 18 películas en competencia son de mujeres cineastas.
La marcha fue organizada por un nuevo movimiento 5050 × 2020, que reclama igualdad de género y diversidad en la industria cinematográfica francesa, y precedió a la gala de "Mujeres del sol", acerca de combatientes por la libertad en Kurdistan, de Eva Husson.
El productor de esta coproduccion franco-belga, protagonizada por Golshifteh Farahani y Emmanuelle Bercot, Didar Dohmeri, dijo que "El evento está subrayando el hecho de que ha habido un despertar sobre la necesidad de una mayor igualdad de género".
"Hay mucho trabajo por hacer en Francia en comparación con el Estados Unidos, donde iniciativas similares han reunido a tanta gente. Es estratégico usar Cannes para destacar estos temas " dijo, y que "...se debe alentar a más mujeres a que envíen sus películas al festival.

30 mar. 2018

SPIELBERG, EL FUTURO, EL CINE, LOS VIDEOGAMES Y LA REALIDAD VIRTUAL

Steven Spielberg convoca a la nostalgia de la últimas décadas del siglo XX en su nueva película "Ready Player One" que se estreno este jueves, valiéndose de un inmenso videogame producto de la realidad virtual, que según observa en perspectiva como mediados del siglo XXI, y por obra de las corporaciones, podría terminar dominando la escena mundial, superando cualquier barrera cultural, social o política conocida. 



El tema, que encara desde lo espectacular, con un minucioso diseño de arte, aporta algunos apuntes que, para un hombre del mismo poder como Spielberg, y en el orden de lo simbólico, devienen desafiantes porque abordan un futuro distópico en el que la supervivencia y el deseo se subsumen a un descomunal videogame, del que nadie, en medio de la crisis, parece poder escapar.
El filme cuenta con las actuaciones de Tye Sheridan que encarna al protagonista Wade Watts, Olivia Cooke, Ben Mendelsohn, Mark Rylance y Simon Pegg, entre otros actores. 
El videogame Oasis es de rol multijugador masivo en línea (los MMORPG, sigla en inglés de "massively multiplayer online") es el escenario de un mundo paralelo en donde tiene lugar buena parte de la vida de la mayoría de los mortales, forzados por la misma megaestructura del poder económico a refugiarse en enormes favelas puro metal, con códigos típicos de barrios de emergencia.
Apiladas en torres gracias a estructuras estilo mecano, los containers-pocilgas albergan a hombres y mujeres, grandes y chicos, forzados a pelear día y noche por sus necesidades básicas, provenientes a medias de ese juego que juegan hace rato, hipnotizados por una zanahoria que cuelga a centímetros de sus ojos pero que es muy difícil, casi utópico, poder alcanzarla nunca.
Spielberg tiene 71 años y una fortuna que supera los 3,6 billones de dólares, una edad en la que ya no se puede perder el tiempo, frente a leyes de oferta y demanda cada vez más impiadosas, y al igual que su colega Martin Scorsese, apenas mayor que él, descubrió que era hora de escribir los capítulos decisivos de su extensa, valiosa y variopinta filmografía, propia y ajena.
Scorsese le ganó de mano al presentar hace siete años "Hugo", una excusa para homenajear a toda la historia del cine, pero Spielberg no se quedó con las manos vacías porque el novelista Ernest Cline escribió, hace siete años un relato con intenso aroma a guión potente también un homenaje en perspectiva reciente, al cine, y a los exponentes del cine y el videogame.
El planteo que tiene que ver con la generación de sus hijos-nietos, impone una visión nada piadosa del futuro de la humanidad (mucho más intensa en el libro) del mismo capitalismo al Spielberg pertenece, y lo hace con toda la fortuna -intelectual y por descontado económica- que tiene a su mano, desplegándola en cada imagen recargada que sigue a la otra, en una carrera desenfrenada.
El libro de Cline, que puede ser traducido en forma literal como "Listo Jugador 1", transcurre en el año 2045 cuándo un mega millonario, mezcla de Bill Gates con el cientifico Emmet Brown de "Volver al futuro", el creador de Oasis, una "escotilla de escape a la felicidad", muere y deja su herencia escondida dentro de su propia obra, a la que sólo podrá acceder el jugador más avezado.
Sin embargo, no será tan sencillo como parece en un mundo en donde la gente vive hacinada y todos trabajan cómo "gamers" en ese mundo virtual, en el que juntan monedas cada vez que liquidan a un enemigo y a la vez se endeudan cada vez que son alcanzados por las armas de sus contrincantes.
Una empresa competidora utiliza a los jugadores endeudados en las ciberbatallas como sixers, esclavos peleadores que no descansan con tal de cubrir sus saldos negativos y volver a su vida en una libertad precaria, algo que por lo visto es bastante difícil cuando no imposible en ese mundo del no-futuro, donde no asoma la política, porque en el planeta Tierra, la única opción es "evadirse".
El protagonista de esta historia es uno de esos chicos que han vivido toda su vida delante de un monitor- o como ya en en el presente, con sus anteojos de visión 360 grados y un ajustado uniforme linkeado, que lo convierte en un avatar que puede moverse con libertad en ese universo en el que todo es absolutamente posible, como si fuese una "realidad real" y no una fantasía digital hiperrealista.
Spielberg sabe como unir un relato literario narrado en primera persona, muy entretenido y lleno de referencias, con la trama perfecta que lo justifica, ideal también para quienes se formaron, crecieron y llegaron a adultos con joysticks en sus manos -alucinógenos legales secos y limpios- en medio de un mundo cada vez más corrupto, conflictivo y contaminado, camino a una segura autodestrucción.
Es difícil dimensionar si el director de gemas como "Tiburón", "Encuentros cercanos", "Indiana Jones", "La lista de Schindler", "Minority Report", así como otras, con idas y venidas, consigue esta vez lo que busca, que el protagonista -el desasosegado Wade Owen Watts y su avatar Perceval- sea el chico con el que todos podamos identificarnos, en un mundo cada vez menos esperanzado.
El resto es saber como poder armar el cóctel de homenajes a obras tan diferentes como "El ciudadano" y "Willy Wonka y la fábrica de chocolates", "King Kong", "El resplandor", "Alien, el octavo pasajero", "Volver al futuro" y "El gigante de hierro", entre las más identificables de una gran lista, pero también a una inacabable diversidad de videogames y guiños para cinéfilos y nostálgicos.
El ritmo de tiempo real es demoledor, y en eso es clave el diseño de la trama pero también de imágenes con cientos de personajes y artefactos que se mueven a lo largo de un camino (de paso también es una road-movie), por el que corren una carrera y a la vez resuelven la estrategia -los "huevos de pascua"- que le permitirán acceder a tres llaves que son claves para alcanzar la meta.
La gráfica puede recordar tanto a viejos juegos como Pac-Man y Robotron o a la saga de "El Señor de los Anillos", las bromas se superponen y terminan escapándose incluso a los más atentos, con excepción de algunas memorables, como el cubo de Rubik que aquí es el "de Zemeckis" y permite viajar un minuto atrás en el tiempo de esa especie de "Matrix", para resolver cualquier error cometido.
Es imposible llevar registro de las citas de esta búsqueda de un Santo Grial de la cultura pop, desde la Commodore 64, Buckaroo Banzai y la serie "Cosmos" hasta Freddy Krueger, G.I. Joe, Godzilla o "Street Fighter", y las filosóficas-literarias más de medio centenar, entre ellas a textos de William Shakespeare, Kurt Vonnegut, Stepehn King, Ray Bradbury, J.R.R. Tolkien, y Anthony Burgess, 
Ahí está Spielberg con todos sus ingredientes actualizados a su manera, con su homenaje al cine y a la nueva estética y dinámica aportada por los videogames a la cultura millennial, con la siempre precisa fotografía de Janusz Kaminski, y esta vez las acertadas elecciones de Tye Sheridan; Mark Rylance como el propietario del Oasis y su avatar Anorak, y Olivia Cooke, como Olivia y su avatar Ar3mis.

23 ene. 2018

OSCAR: TODOS LOS CANDIDATOS DE 2018

Película
“Llámame por tu nombre”, de Luca Guadagnino
“Las horas más oscuras”, de Joe Wright
“Dunkerque”, de Christopher Nolan
“¡Huye!, de Jordan Peele
“Lady Bird”, de Greta Gerwig
“El hilo fantasma”, de Paul Thomas Anderson
“The Post: Los oscuros secretos del Pentágono”, de Steven Spielberg
“La forma del agua”, de Guillermo Del Toro
“3 anuncios por un crimen”, de Martin McDonagh

Dirección
Christopher Nolan (“Dunkerque”)
Jordan Peele (“¡Huye!”)
Greta Gerwig (“Lady Bird”)
Paul Thomas Anderson (“El hilo fantasma”)
Guillermo del Toro (“La forma del agua”)

Actor
Timothée Chalamet (“Llámame por tu nombre”)
Daniel Day-Lewis (“El hilo fantasma”)
Daniel Kaluuya (“¡Huye!”)
Gary Oldman (“Las horas más oscuras”)
Denzel Washington (“Roman J. Israel, Esq.”)

Actriz
Sally Hawkins (“La forma del agua”)
Frances McDormand (“3 anuncios por un crimen”)
Margot Robbie (“I, Tonya”)
Saoirse Ronan (“Lady Bird”)
Meryl Streep (“The Post: Los oscuros secretos del Pentágono”)

Actor de reparto
Willem Dafoe (“El Proyecto Florida”)
Woody Harrelson (“3 anuncios por un crimen”)
Richard Jenkins (“La forma del agua”)
Christopher Plummer (“Todo el dinero del mundo”)
Sam Rockwell (“3 anuncios por un crimen”)

Actriz de reparto
Mary J. Blige (“Mudbound: El color de la guerra”)
Allison Janney (“I, Tonya”)
Lesley Manville (“El hilo fantasma”)
Laurie Metcalf (“Lady Bird”)
Octavia Spencer (“La forma del agua”)

Película de animación
“Un jefe en pañales”- Productores: Tom McGrath, Ramsey Ann Naito
“The Breadwinner” - Productores: Nora Twomey, Anthony Leo
“Coco” - Productores: Lee Unkrich, Darla K. Anderson
“Olé: El viaje de Ferdinand” - Productor: Carlos Saldanha 
“Loving Vincent” - Productores: Dorota Kobiela, Hugh Welchman, Sean Bobbitt, Ivan Mactaggart, Hugh Welchman

Guión Adaptado
“Llámame por tu nombre”, James Ivory
“The Disaster Artist: Obra maestra”, Scott Neustadter y Michael H. Weber
“Logan”, Scott Frank, James Mangold y Michael Green
“Apuesta maestra”, Aaron Sorkin
“Mudbound: El color de la guerra”, Virgil Williams, Dee Rees

Guión Original
“Un amor inseparable”, Emily V. Gordon y Kumail Nanjiani
“¡Huye!”, Jordan Peele
“Lady Bird”, Greta Gerwig
“La forma del agua”, Guillermo del Toro y Vanessa Taylor
“3 anuncios por un crimen”, Martin McDonagh

Fotografía
“Blade Runner 2049”, Roger Deakins
“Las horas más oscuras”, Bruno Delbonnel
“Dunkerque”, Hoyte van Hoytema
“Mudbound: El color de la guerra”, Rachel Morrison
“La forma del agua”, Dan Laustsen

Documental
“Abacus: Small Enough to Jail“ - Productores: Steve James, Mark Mitten y Julie Goldman
“Faces Places”/”Visages Villages” -  Productores: JR, Agnès Varda y Rosalie Varda
“Icarus”- Productores: Bryan Fogel y Dan Cogan
-”Last Men in Aleppo”-  Productores: Feras Fayyad, Kareem Abeed y Soren Steen Jepersen
“Strong Island” -  Productores: Yance Ford y Joslyn Barnes

Edición
“Baby: El aprendiz del crimen”, Jonathan Amos, Paul Machliss
“Dunkerque”, Lee Smith
”I, Tonya”, Tatiana S. Riegel
“La forma del agua”, Sidney Wolinsky
-”3 anuncios por un crimen”, Jon Gregory

Edición de sonido
“Baby: El aprendiz del crimen”, Julian Slater
“Blade Runner 2049”, Mark Mangini, Theo Green
“Dunkerque”, Alex Gibson, Richard King
“La forma del agua”, Nathan Robitaille
“Star Wars: Los últimos Jedi”, Ren Klyce, Matthew Wood

Mezcla de sonido
“Baby: El aprendiz del crimen”, Mary H. Ellis, Julian Slater, Tim Cavagin
“Blade Runner 2049”, Mac Ruth, Ron Bartlett, Doug Hephill
“Dunkerque”, Mark Weingarten, Gregg Landaker, Gary A. Rizzo
“La forma del agua”, Glen Gauthier, Christian Cooke, Brad Zoern
“Star Wars: Los últimos Jedi”, Stuart Wilson, Ren Klyce, David Parker, Michael Semanick

Diseño de producción
“La Bella y la Bestia”, Sarah Greenwood; Katie Spencer
“Blade Runner 2049”, Dennis Gassner, Alessandra Querzola
“Las horas más oscuras”, Sarah Greenwood, Katie Spencer
“Dunkerque”, Nathan Crowley, Gary Fettis
“La forma del agua”, Paul D. Austerberry, Jeffrey A. Melvin, Shane Vieau

Banda de Sonido Original
”Dunkerque”, Hans Zimmer
“El hilo fantasma”, Jonny Greenwood
“La forma del agua”, Alexandre Desplat
“Star Wars: Los últimos Jedi”, John Williams
“3 anuncios por un crimen”, Carter Burwell

Canción Original
“Mighty River”-  Mary J. Blige - “Mudbound: El color de la guerra”
“Mystery of Love” - Sufjan Stevens - “Llámame por tu nombre” 
“Remember Me” - Kristen Anderson-Lopez, Robert Lopez - “Coco” 
“Stand Up for Something” - Diane Warren, Common - “Marshall”
”This Is Me” - Benj Pasek, Justin Paul - “El gran showman” -

Maquillaje y Peinados:
“Las horas más oscuras” - Kazuhiro Tsuji, David Malinowski, Lucy Sibbick
“Victoria y Abdul”, Daniel Phillips, Lou Sheppard
“Extraordinario”, Arjen Tuiten

Vestuario:
“La Bella y la Bestia” - Jacqueline Durran
“Las horas más oscuras” - Jacqueline Durran
“El hilo fantasma” - Mark Bridges
“La forma del agua” - Luis Sequeira
“Victoria y Abdul” - Consolata Boyle

Efectos Visuales:
“Blade Runner 2049” - John Nelson, Paul Lambert, Richard R. Hoover, Gerd Nefzer
“Guardianes de la Galaxia Vol. 2” - Christopher Townsend, Guy Williams, Jonathan Fawkner, Dan Sudick
“Kong: La Isla Calavera” - Stephen Rosenbaum, Jeff White, Scott Benza, Mike Meinardus
“Star Wars: Los últimos Jedi” - Ben Morris, Mike Mulholland, Chris Corbould, Neal Scanlon
“El Planeta de los Simios: La Guerra” - Joe Letteri, Dan Lemmon, Daniel Barrett, Joel Whist

Cortometraje de animación:
“DeKalb Elementary”, de Ree van Dyk
“The Eleven O’Clock”, de Derin Seale
“My Nephew Emmett”, de Kevin Wilson Jr.
“The Silent Child”, de Chris Overton
“Watu Wote: All of Us”, de Katja Bennat

Cortometraje documental:
“Edith+Eddie”, de Shilo Mifsud
“Heaven is a Traffic Jam on the 40s”, de Frank Stiefel
“Heroin(e)”, de Elaine McMillion Sheldon
“Knife Skills”, de Thomas Lennon
“Traffic Stop”, de Gina Kementzki y Julie Zammarchi

Cortometraje de ficción:
“Dear Basketball, de Glen Keane
“Garden Party, de Florian Babikian, Vincent Bayoux, Victor Caire, Téophile Dufresne, Gabriel Grapperon, Lucas Navarro.
“Lou”, de Dave Mullins (Pixar)
“Negative Space”, de Ru Kuwahata y Max Porter
“Revolting Rhymes”, de Jan  Lachauer, Jakob Schuh y Bin Han To

Película hablada en idioma extranjero (no inglés)
“Una mujer fantástica”, de Sebastián Lelio (Chile-España-Estados Unidos)
“The Insult”, de Ziad Doueir (Líbano-Bélgica-Siria-Francia)
“Loveless”, de Andrey Zvyagintsev (Rusia-Francia-Alemania-Bélgica)
“On Body and Soul”, de Ildikó Enyedi (Hungría)
”The Square”, de Ruben Östlund (Suecia-Alemania-Francia-Dinamarca)

2 ene. 2018

TALLERES DE PERIODISMO AUDIOVISUAL 4X4X4

4 clases semanales mensuales, 4  meses, para 4  alumnos
cada una
Propuesta de temas de discusión
Discusión revisionista (dialogo entre el cine y la sociedad)
Un poco de historia
Certeza informativa, opinión, crítica, entrevista
Construcción y demolición de la crítica. El fin de la crítica.
Distintos formatos de la critica. Perspectiva.
Periodismo multimedia
Los medios: Gŕaficos y Audiovisuales
Pantallas

Innovación

(temas a tratar de historia por cuatrimestre, 
cine argentino, estadounidense, europeo, nuevos cines)


Practicas y Puesta de Situación
Trabajos Prácticos: Exposición y Discusión. Bibliografía


Mesa de cuatro (+ expositor)
De 20 a 22. Jueves o Viernes. Marzo, Abril, Mayo, Junio. Recoleta

$ 1800 Mensuales


Más consultas al email claudio.minghetti@gmail.com

23 dic. 2017

"ZAMA": CRÓNICA DE UNA ESPERA EN VANO

Después de obras consagradas, como "La ciénaga", "La niña santa" y "La mujer sin cabeza", y tras una serie de avatares que siempre rodearon a la posibilidad de llevar la historia de "Zama" al cine, Lucrecia Martel pudo lograr aquello que parecía imposible.
Es sencillo descubrir de qué se trata "Zama", la nueva, audaz y desafiante propuesta de Martel, que abreva en la anécdota del relato con el mismo título de Antonio Di Benedetto y su costado filosófico: sólo es necesario detectar esa verdad apenas comienza.
El oficial corregidor don Diego de Zama es un hombre en un lugar equivocado, alguien que no parece conforme con la vida, del que no se conoce nada de su pasado pero sí de su presente y se puede también desentrañar, en poco tiempo, que su infelicidad es inexorable.
No es prioritario conocer la valiosa obra literaria (elogiada por Jorge Luis Borges y Juan José Saer) que precede a esta de Martel, absolutamente autoral, ya que la literatura tiene su lenguaje y el cine el suyo: y "Zama" deviene una obra dueña de un elaborado discurrir cinematográfico.
El original de Di Benedetto, se ha juzgado largamente, es un opus descomunal dentro de la literatura latinoamericana, sin embargo Martel, muy acertadamente, no se somete a la simple adaptación sino a dejarse llevar por la interpretación, con su propia semántica y caligrafía.
Eso le da la posibilidad a la directora de construir una obra con lenguaje propio algo que difícilmente se detecta en los últimos tiempos en todo el cine, sea local o internacional, elemental o deficitario en diferentes aspectos, vacío de contenido y rutinario en lo estético.
La pregunta que se hace Martel, que interpela al espectador a través de lo que nos cuenta, es qué hace ese hombre en medio de lo salvaje, si es en verdad la ambición lo que lo moviliza a estar tan lejos del que se supone, lejos, debería ser su lugar.
La búsqueda de El Dorado, que en cine ya se había visto en "Aguirre, la ira de Dios", de Werner Herzog vuelve aquí a tener un peso predominante detrás de la figura de este hombre solo entre muchos otros que aspiran a llevarse un botín para la corona o ellos mismos.
La locura e irracionalidad en la selva amazónica encabezada por Lope de Aguirre, en su caso en el siglo XVI de Pizarro, cambia por la calma, también irracional, salpicada de sangre, la de medio centenar de tribus, que son parte de esa naturaleza y la de los colonizadores.
Se supone que don Diego de Zama está en la primera Asunción del siglo XVIII, y aguarda un traslado que es clave para él, pero para lograrlo debería superar los obstáculos que finalmente incluirán la captura de un forajido portugués, famoso por su crueldad.
En buena medida Zama no es ni héroe ni villano, es decir algo así como un hombre de aquellos tiempos sumido a la oscuridad de un laberinto entre kafkiano -o borgeano-, en la incertidumbre de sólo saber que su destino responde a una ruta diseñada por otros.
Este hombre desea salir de ese lugar horrible y hediondo, y hasta sorpresivo, en el que se va sumergiendo, forzado a un descenso dantesco por los círculos del infierno, un trayecto que se prolonga con cada nueva e inexorable postergación, hacia un destino trágico.
El paisaje de cada episodio en esta sucesión de derrotas, en esta caída por la pendiente que lleva al horror mismo, es verde intenso y por momentos brillante, en medio de tanto barro y suciedad, de olores nauseabundos, de ropa percudida o de infección.
Martel va de la oscuridad al claroscuro, de la supervivencia en medio de la tapera con muebles viejos, a la casa del gobernador atiborrada de fulleros y donde era necesario desde pedir permiso para respirar, hasta esperar, ya sin esperanza, una respuesta.
Hay murmullos, ecos fantasmales, explicaciones que se repiten, discusiones, soberbia, humillación, mentiras, miradas torvas, desilusión, desesperación, traición y resignación, porque de eso se trata la pasión de Zama, la del hombre que está solo y espera su destino.
Hay varios oportunos subrayados que Martel logra dar a su relato: la imprecisa localización en Asunción, centro del Gran Chaco guaraní pero fuera de tiempo y la data igual de vaga acerca del funcionario, que pueda dar alguna pista más del enigma que encierra.
Daniel Giménez Cacho expresa sin necesidad de textos la desesperación del personaje, que a veces asoma su voz, como si se tratarse de un relator, un casting perfecto en el que también tienen peso Juan Minujin, pero en especial Rafael Spregelburd y el brasileño Matheus Nachtergaele.
También hay música, muy curiosa, que echa mano boleros mexicanos del siglo 20 pero con cuerdas que parecen de arpas, y hasta recuerdan al citar de Antón Karas en "El tercer hombre", y en el final las melodías que recuerdan a Arturo Ripstein o Pedro Almodóvar.
Zama tiene la ilusión de sobrevivir a pesar de su agonía en el bote que surca el río Paraguay: la proa va cortando las aguas tupidas de camalotes mientras el niño remero le pregunta si quiere vivir, un susurro detrás de las cuerdas que tocan "Muñequita linda", y palpitan aquel sueño que no fue.

25 nov. 2017

NAHUEL PÉREZ BISCAYART Y "120 PULSACIONES POR MINUTO", DE ROBIN CAMPILLO


En mayo de 2017 compitió por las Palmas de Oro: Nahuel Pérez Biscayart, un actor argentino que a los 31 años ya acredita 28 largometrajes, la mayoría ya estrenados, un puñado rodados en diferentes países europeos, 14 miniseries y numerosos cortos, es protagonista de “120 pulsaciones por minuto”, de Robin Campillo.
En el tercer filme de este director francés, Pérez Biscayart interpreta a Sean Dalmazo, un militante del grupo Act Up París (AIDS Coallition To Unleash Power), que luchaba en la década del 90 por la prevención, la investigación y y los subsidios para el tratamiento de los afectados por este HIV que causaba estragos especialmente en jóvenes.
-¿Cómo fue que empezaste a hacer cine en el exterior?
-Se dio de manera bastante accidental. La primera película en la que trabajé en Francia me llegó porque el director había visto "La sangre brota" que se había estrenado en París, otra porque la directora me vio en una película en la televisión española, otra a través de un mismo director de casting que ya me había llamado para una peli anterior. En otra ocasión, fue a través de mi agente alemán que me puso en contacto con el director. .. en fin… No hay regla, ni planificación, todo se fue configurando bastante solo, y lo único que hice fue ir tomando o dejando.
-Pero hubo una búsqueda de tu parte...
-Siempre me interesa llegar a lugares desconocidos, aprender su lengua y su cultura. Actuar en una lengua desconocida y descubrirte disfrazado con sonidos raros te invita a redescubrirte, a tocar la esencia o a descubrir nuevas personalidades en uno mismo.
-¿Vas y venis de París?
-Sólamente paso un tiempo de tanto en tanto cuando tengo proyectos. El año pasado sí estuve casi todo el año acá porque se me encadenaron tres películas. Sino, cuando no tengo nada concreto, no me quedo en París. Tengo unas valijas en un sotano, es todo.
-¿Qué tan diferente es trabajar aquí o en Europa?
-Europa es bastante amplio y diverso. En los países en los que trabajé, no veo tanta diferencia. Las estructuras de producción son bastante similares. No así sus recursos. Las películas en que me tocó trabajar tuvieron un financiamiento importante, con condiciones de trabajo muy buenas. Hay algunos roles que cambian, sobre todo entre dirección y producción en cuanto a quien se ocupa de determinadas cosas.
-¿Pero hay diferencias entre un país y otro..?
-En Alemania, noté una obsesión con ser efectivo e invencible. Las jornadas podían durar más de 14 horas y retomar a las 6 horas sin escuchar ni una queja. Mientras que en Francia, podés almorzar con vino y terminar más temprano. En España no se puede filmar si no se hace la pausa "bocata" a media mañana, es sacrilegio. En Suiza tuvimos un camión de catering atendido por un italiano que nos hacía platos de diferentes países cada día…. siempre todos enamorados intentando darlo todo por la película.
-¿Y aca…?
-Acá en Francia el año pasado protagonicé dos películas de bastante peso teniendo un recorrido casi nulo en el cine francés. Veo acá una notoria apertura a lo nuevo y un respeto del deseo genuino de los directores bastante más fuerte que en Argentina. No es necesario hacer televisión diaria o estar expuesto por fuera de tu trabajo para poder estar al frente de proyectos grandes y de calidad.
-Eso empuja a salir al exterior…?
-Algunos creen que me fui, pero no es así. Algunos argentinos nos comportamos como huérfanos abandonados por nuestros abuelos europeos, y aquel que toca tierra del otro lado del mar es como si hubiera logrado recuperar ese amor trunco. Somos perseguidos por ese fantasma del viejo continente: esa versión acabada de lo que desearíamos ser o haber sido. "Claro, no volvés más vos!", dicen. Yo ya dejé de usar los verbos volver y venir. Estamos a más o menos horas de distancia, es todo. Si hay proyectos interesantes me sumo, más allá de donde se den. Viajo siguiendo los proyectos y me instalo temporaralmente. Soy nómade hace ya 5 años.
-¿Cómo te llegó esta película?
-Llegó a través de Sarah Teper y Leila Fournier, directoras de casting que conocí hace mucho tiempo al momento de presentar "Au fond des bois" de Benoit Jacquot.
-¿Cómo es tu personaje?
-Es un militante de Act Up París (AIDS Coallition To Unleash Power) a principio de los 90s antes de la llegada de las triterapias antiretrovirales contra el HIV, un pibe que adoptó la causa como su principal motor de vida. Quiere darlo todo para mostrar la injusticia los enfermos ante la ausencia de políticas de estado de prevención, tratamiento e investigación. Otro joven recién llegado al grupo se interesa en él, desea acompañarlo en su lucha, pero sobre todo estar a su lado en lo que parece ser la recta final.
-¿Qué tanto sabías del Act Up?
-Poco y nada más allá del triángulo rosa y alguna que otra imagen de archivo. Espero que con esta película algo de estos héroes llegue a un público que igual que yo antes de adentrarme en el proyecto, no los conocen.
-¿Cómo fue asumir el compromiso?
-Si bien navega en un contexto político, de exaltación de la lucha, y en el cual sus personajes dan todo por la causa, ese no es el único eje. Tiene muchas capas y se mete en la intimidad de los personajes. Es un gran cuerpo colectivo compuesto por muchos personajes que viven su implicación en la lucha de maneras muy diferentes, cada uno con sus motivaciones personales.
-Una historia de luchadores...
-Las lecturas en torno a al peso de sus acciones, y al rol jugado en ese momento de la historia, son cosas ajenas a la actuación: al momento de actuar todo es presente. Desde lo personal, admiro a los que han transformado sus dolores en luchas colectivas, que han dado todo por transformar la realidad sin siquiera saber si vivirían para disfrutar de sus logros.
-Me acuerdo de tu lucha por los celíacos en su momento... ¿Te sirvió aquella experiencia?
-Sí. Se remonta incluso más atrás que eso. A todas las marchas que fui desde que tengo memoria, a caballito de mi padre, a upa de mi madre, agarrado fuerte de mi hermana. Recuerdo ser niño en todas esas manifestaciones, en las que por mi altura no llegaba a registrar las caras, pero sentía el clamor, la unión de los gritos y los cuerpos, el calor, el avanzar colectivo. Toda esa energía sólo existe cuando uno es parte de la masa, cuando ve en el otro su lucha personal replicada y fortalecida.
-¿Vas a volver a hacer cine en Argentina?
-Me encantaría. Estaba confirmado para una película pero me dieron por no ser famoso. Siento que el miedo ante la situación catastrófica que se está viviendo, no hace más que acentuar la tendencia a ir a lo seguro, a lo rentable. O quizá sea simplemente un caso aislado de un director sin el peso suficiente para poder plantarse y defender su deseo.


NATALIA OREIRO: NASHA NATASHA Y SHOWS

Natalia Oreiro es una de las grandes figuras del cine y la televisión en la Argentina, y la música además en el esto del mundo, en especial en Rusia, donde sus shows son multitudinarios y su popularidad es más grande que la del mismo Messi.
Este es un reporte gráfico, con imágenes entre las que se destacan algunas del documental "Nasha Nartasha", que la sigue precisamente por Rusia, del cineasta como ella uruguayo Martin Sastre y que, es de esperar, alguna vez pueda verse en la Argentina.
Aquí van las imágenes: