“MAR DEL PLATA”, EL DEBUT DE IONATHAN KLAJMAN Y SEBATIAN DIETSCH, EN EL LARGOMETRAJE

Los directores debutantes Ionathan Klajman y Sebastián Dietsch proponen en “Mar del Plata” una historia acerca de dos amigos su impensado viaje a la costa y su reencuentro con el pasado, en tono de comedia. Joaquin y David, dos amigos, viajan a Mar del Plata al mismo tiempo que Elena y Lautaro, marido y mujer; Lautaro es un escritor exitoso y acaba de lanzar una novela; Elena, su esposa, fue novia de Joaquín, al que abandonó. El destino los cruza, y lo que pintaba maravilloso, termina siendo… la vida.

Los directores saben cómo resolver una historia sencilla, un ejercicio para seis personajes, con talento, prolijidad, recursos técnicos que superan la media de corrección y una especial atención por diálogos precisos y agudos para criaturas graciosas, y patéticas, con un casting perfecto. La selección de los cineastas amigos dejó frente a cámaras actores que crecen, como Panlo Pérez, Gabriel Zayat, Lorena Damonte, Pablo Caramelo, Daniela Nirenberg y Cecilia Echagüe. Ionathan Klajman nació en Israel y Sebastián Dietsch en la Argentina, pero los dos coincidieron en la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (ENERC), del INCAA, y tras muchos proyectos en el aire coinciden en una obra de extrema e inexorable coherencia. ¿Cómo surgió la idea, y si fue de los dos, o de cuál de los dos? Klajman: El guión de la película lo escribí hace algunos años. La idea surgió a partir de un viaje que hice con un amigo a Mar del Plata. Ojo, solo eso. La idea. "Ojalá me hubieran pasado todas las cosas que le pasan a Joaquín y David en la película". No, mi vida es más aburrida. El guión pasó por una supervisión con el dramaturgo Ricardo Monti, que me ayudó mucho a pulir la estructura y darle más identidad a los personajes. Después apareció Sebastián, con el cual somos amigos de nuestra época de estudiantes de cine en la escuela del INCAA.

A Sebastián le gustó el guión y a partir de ese momento comenzamos con la idea (delirante) de empezar a juntar plata para hacerlo de manera independiente. Cosa que después, no sucedió. Dietsch: Tuvimos mucha suerte. Ganamos un concurso del INCAA llamado “Películas Digitales” con dinero como para hacerla profesional. Con nuestro dinero y en ratos libres, la habríamos estrenado en 15 años, estresados y pobres. Estamos contentos porqué de esas tres cosas pudimos evitar la primera. ¿La cuestión era volcar experiencias personales y unirlas? Klajman: La verdad que no. Pero agradezco como un halago cuando me dicen que la historia es autobiográfica, eso significa que los personajes son verosímiles. Obvio, uno proyecta cosas de su vida. Esos amigos son un poco, en parte, como la relación que tengo con mi hermano, por ejemplo. Pero no dejan de ser elementos sueltos y proyecciones. Tampoco es que me estoy golpeando y peleando de esa manera con mi hermano todo el tiempo, básicamente porque mi hermano sabe karate. ¿Cuál es el cine que los inspira, o están en una búsqueda propia? Dietsch: El cine en general no es para mí un objeto de inspiración. Lo disfruto más como espectador. Obvio, uno ve tal película y dice: "Que bueno hacer algo así". Pero en definitiva el proceso creativo parte de otros lados, que tienen que ver con escribir cosas que, para empezar, me hacen reír a mí. Igual te nombro directores de cine que me gustan porque nos encanta hablar de cine. Acá va mi lista: Woody Allen (las primeras películas mucho más), Mel Brooks, Todd Phillips, Alex de la Iglesia, y fuera del cine Los Simpsons, Ricky Gervais, los cuentos de Roald Dahl, Quino, Caloi, Liniers... ¿Es fácil o difícil dirigir de a dos? Klajman: La verdad es que tenemos mucha afinidad humorística, nos causan gracia las mismas cosas, y pudimos construir un código durante los ensayos que después, en el rodaje, simplemente nos limitamos a reproducir. Dietsch: El proyecto tuvo un proceso tan largo, que tuvimos mucho tiempo para ensayar, para pensar las escenas… En el momento de decidir cosas concretas, los dos estábamos en la misma sintonía y salvo alguna que otra cosa, nunca tuvimos que debatir mucho. No podíamos darnos ese lujo. -¿Qué es lo que nos hace reír de nuestra propia en una pantalla? Klajman: Creo que la desgracia ajena, en su justa medida, vista con la considerable distancia, nos causa mucha gracia Quién dijo: "Tragedia más tiempo: Comedia", bueno, tenía razón. Salvo que te caigas en un pozo con chiuauas carnívoros, eso siempre va a ser trágico.

El señor que se resbala con una cáscara de banana en la calle es gracioso, no importa si se acaba de dislocar un par de vértebras en el camino. Lo que es terrible, pero acá me informan que tiene obra social, así que podemos reírnos sin culpa. Dietsch: Es una comedia de personajes medio patéticos, en momentos patéticos de sus vidas. Todos los tuvimos y los tenemos. De esos momentos salen las mejores anécdotas. Nadie quiere escuchar la anécdota divertida de un tipo ganador: no es divertida. En todo caso nos va a dar envidia. A todos nos han pasado situaciones que en su momento fueron un poco dramáticas pero con el tiempo se transforman en anécdotas divertidas. La comedia necesita personajes a los que no les vayan muy bien las cosas. Que es lo que nos pasa generalmente en la vida. ¿Planes a futuro: piensan seguir dirigiendo juntos? Klajman: Mientras Sebastián siga usando sombreros con frutas tropicales colgando no podré seguir trabajando con él. Dietsch: Obviamente, es mentira lo que dice Ionathan. A no ser que ahora a las uvas y las ciruelas se las considere tropicales. Klajman: La verdad es que con Sebastián somos grandes generadores de proyectos... que después abandonamos estrepitosamente. Ahora estamos escribiendo, cada uno, su película por separado. Dos comedias. Dietsch: Entre los muchos proyectos que tenemos, el de plantar un árbol lo desechamos por aburrido. Pero hay muchos otros, como series de TV, cortos e incluso historietas, que estoy seguro en el futuro vamos a poder concretar, “Mar del Plata” fue el primero. (esta entrevista fue publicada en forma abreviada por Télam, el 7 de noviembre

ENTREGARON LOS PREMIOS CONDOR 2012

El que gana los premios a Mejor Película y Mejor Director, encima mejor guión, aunque compartido, y Mejor Actriz, y Actris de Reparto es, obviamente, el gran yriunfador de cualquier premio, y asì ocurrió esta vez con "Infancia clandestina", el gran filme de Benjamin Acila que brilló en la 61 noche de los Premios Condor, de la Asociaciòn de Cronistas Cinematográficos de la Argentina (ACCA) que tengo el orgullo de conducir. El lunes 7 de octubre en el Teatro Avenida, y televisado, en diferido, por la Televisión Publica, se realizo “LA GRAN FIESTA DEL CINE NACIONAL” donde la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina como es tradición desde 1942 ´hizo entrega de los Premios Cóndor de Plata. En esta 61º entrega se otorgaron los premios a lo mejor de la filmografía del año 2012 así como los Premios Cóndor de Plata a la Trayectoria. La película “Infancia Clandestina” recibió el Premio Cóndor de Plata a la Mejor Película y Benjamín Ávila el Cóndor de Plata al Mejor Director por el mismo filme. La película con mayor cantidad de premios fue “El Ultimo Elvis” con 7 estatuillas, seguido por “Infancia Clandestina con 5, “Días de Pesca” con 2 y “Atraco!”, “Cornelia Frente al espejo”, Crónica de la muerte de Paco Uribe”, “El etnógrafo”, “El pozo”, “La revolución es un sueño eterno”, “La separación” y “Todos tenemos un plan” con 1 cada una. Los Premios Cóndor de Plata a la trayectoria este año fueron otorgados a la Sra. Dora Baret (Actriz), la Sra. María Concepción Cesar (Actriz), la Sra. Eva Landek (Directora), la Sra. Adela Montes (Periodista) y el Sr. Oscar Robito (Actor). También se entrego un Premio Especial al Rock Nacional por los 40 años del estreno de la película de Aníbal Uset “Hasta que se ponga el sol” y los 30 años del estreno del film de Héctor Olivera “Buenos Aires Rock”.

MEJOR PELÍCULA: INFANCIA CLANDESTINA MEJOR DIRECTOR: BENJAMIN AVILA (por Infancia Clandestina) MEJOR ACTOR: ALEJANDRO AWADA (por Días de pesca) MEJOR ACTRIZ: NATALIA OREIRO (por Infancia Clandestina) MEJOR ACTOR DE REPARTO: DANIEL FANEGO (por Todos tenemos un plan) MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: CRISTINA BANEGAS (por Infancia Clandestina) REVELACIÓN MASCULINA: JOHN McINERNY (por El ultimo Elvis) REVELACIÓN FEMENINA: ANA FONTAN (por El pozo) MEJOR DOCUMENTAL: EL ETNOGRAFO (de Ulises Rosell) MEJOR OPERA PRIMA: EL ULTIMO ELVIS (de Armando Bo) MEJOR GUIÓN ORIGINAL(Compartido): NICOLAS GIACOBONE Y ARMANDO BO (NIETO) (El ultimo Elvis) BENJAMIN AVILA Y MARCELO MÜLLER (infancia clandestina) MEJOR GUIÓN ADAPTADO: EUGENIA CAPIZZANO Y DANIEL ROSENFELD (CORNELIA FRENTE AL ESPEJO) (Sobre cuento homónimo de Silvina Ocampo) MEJOR FOTOGRAFÍA: JULIAN APEZTEGUIA (Días de pesca) MEJOR MONTAJE: PATRICIO PENA (El ultimo Elvis) MEJOR DIRECCIÓN DE ARTE: DANIEL GIMELBERG (El ultimo Elvis) MEJOR MÚSICA ORIGINAL: SEBASTIÁN ESCOFET (El ultimo Elvis) MEJOR SONIDO: MARTIN PORTA (El último Elvis) MEJOR VESTUARIO: WALTER JARA (La revolución es un sueño eterno) MEJOR CORTOMETRAJE: CRONICA DE LA MUERTE DE PACO URIBE (de Santiago Canel) MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA: ¡ATRACO! (de Eduard Cortés) (Argentina– España) MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO HISPANA: LA SEPARACION (Jodaeiye Nader az Simin) (de Asghar Farhadi) (Irán) CONDOR A LA TRAYECTORIA: DORA BARET (Actriz) MARIA CONCEPCION CESAR (Actriz) EVA LANDECK (Directora) ADELA MONTES (Periodista) OSCAR ROVITO (Actor) Premios Cóndor Especiales para el Rock Argentino a los 40 años del estreno del film de Anibal Uset “HASTA QUE SE PONGA EL SOL” y los 30 años del estreno de la película de Hector Olivera “BUENOS AIRES ROCK”.

GUSTAVO POSTIGLIONE: "LEJOS DE PARIS"

(San Juan) Gustavo Postiglione sorprende, a más de veinte años del estreno de “El asadito”con un filme experimental, autorreferencial, que tiene como eje su idea acerca de Rosario, su ciudad natal. Postiglione es claro al mirar a Rosario, dice, como “una mujer o un par de tetas”, y desde ese momento, en el que registra a mujeres, a sus pechos, sus movimientos, con más o menos luz pero siempre con un foco exacto, recorre no solo Rosario sino todo aquello que le refiere a su paisaje urbano, a su recorte costero, al imponente río, a sus rascacielos de siglo 21, a sus calles, que pueden ser de Buenos Aires o de Nueva York, como dice, a sus bares, pero en especial a su alma. “Lejos de París” es una propuesta que se aleja de lo convencional, y así como “Días de mayo”, acerca del Cordobazo y la juventud intelectualizada-cinéfila de entonces con efectiva inspiración nuevaolista, lograba una nueva lectura de viejos tiempos, esta vez la sorpresa está dada por su ángulo de observación. La mirada del director es similar a la de un turista que, sin embargo, en verdad conoce muchas de las verdades que se esconden en las imágenes que registra, y por eso recuerda al Wong Kar Wai, que observó una Buenos Aires diferente en “Felices juntos”, y a Sofía Coppola en “Perdidos en Tokio”, un verdadero rompecabezas de frase cortas que reflexionan desde el fuera de cámara con su voz y con la interpretación de aquello que ve, en la pantalla. Los formatos se mezclan, las calidades de definición, la iluminación, la nitidez estridente (la de una cancha de fútbol) o ese sugestivo fuera de foco de luces de automóviles, leds que recuerdan con nostalgia a los tubos de neón, imágenes que parecen dibujadas sin tonos intermedios, cámaras de celulares que muestran al mismo cineasta, con su tradicional sombrero, como testigo de su ciudad. “Lejos de París” es un canto de amor por Rosario, una confesión a viva voz de un amor-pasión que recuerda al de Francois Truffaut por París (no es casual que en su título aparezca París como ciudad referente), un oda a su paisaje urbano, aunque en ningún momento caiga en el lugar común sino todo lo contrario, al punto de convertirse en un estímulo fuera de serie. No hay mejor sueño que aquel que se puede disfrutar a plena conciencia, y Postiglione logra soñarlo a ojos bien abiertos, invirtiendo, además películas caseras, viejos registros de la ciudad, incluso algunos de las reacciones populares de 1968 y de 2001, fragmentos de sus películas, de otras películas y una gama de trucos que ayudan a completar un todo hipnótico. El experimento que deviene único, en tanto y en cuanto pocas ciudades del mundo tuvieron hasta el momento una interpretación cinematográfica cargada de cinefilia de esta magnitud, que además tiene a su favor un trabajo de montaje impresionante, digno de ser analizado en escuelas de cine, porque en ese rubro reside buena parte del éxito del producto acabado.

CINE: ESTRENOS ARGENTINOS DE 2012

ESTRENOS 2012 (132) 5 de enero: Un mundo seguro (2010) Eduardo Spagnuolo - 12 de enero: Agua y sal (2010) Alejo Taube - 19 de enero: Domingo de Ramos (2010) José Glusman - 26 de enero: Peter Capusotto y sus 3 dimensiones (2011) Pedro Saborido - 2 de febrero: Chacú (2010) Felipe Pigna - Moacir (2011) Tomás Lipgot- Que lo pague la noche (2011) Néstor Mazzini - Selkirk, el verdadero Robinson Crusoe (2011) Walter Tournier - 9 de febrero: Penumbra (2010) Adrián García Bogliano - 16 de febrero: Yatasto (2011) Hermes Paralluelo - 23 de febrero: La carrera del animal (2011) Nicolás Grosso - Novias - Madrinas - 15 años (2011) Pablo Levy - 1 de marzo: Centro (2010) Sebastián Martínez - 15 de marzo: Dormir al sol (2010) Alejandro Chomski - Memoria para Reincidentes (2010) Gabriela Jaime - 22 de marzo: El vagoneta en el mundo del cine (2012) Maximiliano Gutiérrez - 29 de marzo: La suerte en tus manos (2011) Daniel Burman - Tiempos menos modernos (2011) Simón Franco - 30 de marzo: Plaga zombie: Zona mutante - Revolución tóxica (2011) Pablo Parés - 5 de abril: Extraños en la noche (2011) Alejandro Montiel - Nosotras sin mamá (2011) María Eugenia Sueiro - 12 de abril: Industria argentina (2011) Ricardo Díaz Iacoponi - Tupac Amaru. Algo está cambiando (2012) Magalí Buj - 19 de abril: El mal del sauce (2010) Sebastián Sarquís - El pozo (2011) Rodolfo Carnevale - 26 de abril: Darío Santillán, la dignidad rebelde (2012) Miguel Mirra - El último Elvis (2012) Armando Bó - 3 de mayo: 75 habitantes, 20 casas, 300 vacas (2011) Fernando Domínguez - Ánima Buenos Aires (2011) María Verónica Ramírez - El campo (2011) Hernán Belón - Luján (2009) Raúl Perrone - 10 de mayo: Los actos cotidianos (2009) Raúl Perrone - No te enamores de mí (2011) Federico Finkielstain - 17 de mayo Al final la vida sigue, igual (2010) Raúl Perrone - Bichos criollos (2012) Diego Lombardi - Elefante blanco (2012) Pablo Trapero - La revolución es un sueño eterno (2010) Nemesio Juárez - 24 de mayo: Una cita, una fiesta y un gato negro (2011) Ana Halabe - 31 de mayo Abrir puertas y ventanas (2011) Milagros Mumenthaler - Putos peronistas, cumbia del sentimiento (2011) Rodolfo Cesatti - Tiempo muerto (2010) Baltazar Tokman - 7 de junio: Accidentes gloriosos (2011) Mauro Andrizzi - Acorralados (2010) Julio Bove - Clase media (2011) Juan Carlos Domínguez - En el futuro (2010) Mauro Andrizzi - 14 de junio: Desmadre (2012) Jazmín Stuart - Fuera de juego (2011) David Marques - Habano y cigarrillos (2008) Diego Recalde - Parapolicial negro, apuntes para una prehistoria de la AAA (2010) Javier Diment - 21 de junio: La plegaria del vidente (2011) Gonzalo Calzada - 28 de junio: Las voces (2011) Pablo Torre - 5 de julio: 3 (2012) Pablo Stoll - El gran río (2012) Rubén Plataneo - Malón (2010) Fabián Fattore - Pompeya (2010) Tamae Garateguy - Soledad y Larguirucho (2012) Manuel García Ferré - Néstor Montalbano - Tierra de los padres (2011) Nicolás Prividera - TV Utopía (2011) Sebastián Deus - 12 de julio: Arrieros (2010) Juan Baldana - 19 de julio: Nicaragua... el sueño de una generación (2011) Roberto Persano - 26 de julio: El silencio del puente (2011) Eduardo Schellemberg - 2 de agosto: El camino del vino (2010) Nicolás Carreras - El sol (2010) Ayar Blasco - Historias breves 7 (2012) Varios - ¡Atraco! (2012) Eduard Cortés - 9 de agosto: Cuentas del alma. Confesiones de una guerrillera (2012) Mario Bomheker - El otro fútbol (2012) Federico Peretti - Las 10 últimas preguntas (2012) Güido Simonetti - Rehén de ilusiones (2009) Eliseo Subiela - 16 de agosto: Dos más dos (2012) Diego Kaplan - 23 de agosto: Historias que sólo existen al ser recordadas (2011) Julia Murat - Hombre bebiendo luz (2012) Jorge Falcone - La despedida (2011) Chavo D'Emilio - 30 de agosto: La máquina que hace estrellas (2011) Esteban Echeverría - Todos tenemos un plan (2012) Ana Piterbarg - 6 de septiembre: El circuito de Román (2011) Sebastián Brahm - La pelea de mi vida (2012) Jorge Nisco - Sal (2012) Diego Rougier - ¡Vivan las antípodas! (2011) Víctor Kossakovsky - 7 de septiembre: Papirosen (2011) Gastón Solnicki - 8 de septiembre: El etnógrafo (2012) Ulises Rosell - Ostende (2011) Laura Citarella - 9 de septiembre Mensajero (2011)- Martín Solá 13 de septiembre: El periodista (2012) Diego Recalde - La cola (2011) Enrique Liporace - Topos (2011) Emiliano Romero - 20 de septiembre: El cielo elegido (2009) Víctor González - Infancia clandestina (2011) Benjamín Ávila - Maradona - Médico de la selva (2012) Martín Serra - 27 de septiembre: Días de vinilo (2012) Gabriel Nesci - 3 de octubre: Schafhaus, casa de ovejas (2011) Alberto Maslíah - 4 de octubre: Cornelia frente al espejo (2012) Daniel Rosenfeld - El amigo alemán (2012) Jeanine Meerapfel - La araña vampiro (2012) Gabriel Medina - Los salvajes (2012) Alejandro Fadel - Montenegro (2011) Jorge Gaggero - 11 de octubre: El día que cambió la historia (2010) Sergio Pérez - 18 de octubre: Alumbrando en la oscuridad (2012) Mónica Gazpio - El notificador (2010) Blas Eloy Martínez - Errantes (2012) Lisandro González Ursi - Las mujeres llegan tarde (2012) Marcela Balza - 25 de octubre: El círculo (2008) Aldo Garay - La Caracas (2011) Andrés Cedrón - Masterplan (2012) Pablo Levy - Rawson (2012) Luciano Zito - 1 de noviembre: El cuarto de Leo (2009) Enrique Buchichio - El sexo de las madres (2012) Alejandra Marino - Longchamps (2011) Andrés Andreani - Porfirio (2011) Alejandro Landes - 8 de noviembre: La casa (2012) Gustavo Fontán - Ni un hombre más (2012) Martín Salinas - Otro corazón (2012) Tomás Sánchez - Otros silencios (2011) Santiago Amigorena - 15 de noviembre Amor a mares (2012) Ezequiel Crupnicoff - De los barrios, arte (2009) Fernando Romanazzo - Días de pesca (2012) Carlos Sorín - Un amor de película (2012) Diego Musiak - 21 de noviembre: El rascacielos latino (2012) Sebastián Schindel - 22 de noviembre: Néstor Kirchner, la película (2012) Paula de Luque - Ningún amor es perfecto (2008) Pablo Sofovich - 29 de noviembre: Dulce de leche (2011) Mariano Galperín - El Impenetrable (2012) Daniele Incalcaterra - Gricel. Un amor en tiempo de tango. (2012) Jorge Leandro Colás - 2 de diciembre: Blackie, la película (2012) Alberto Ponce - 6 de diciembre: Diablo (2011) Nicanor Loreti - El décimo infierno (2011) Mempo Giardinelli - Elsa y su ballet (2011) Darío Doria - La inocencia de la araña (2011) Sebastián Caulier - Una mujer sucede (2011) Pablo Bucca - 13 de diciembre: Uno (2012) Dieguillo Fernández - Civilización (2012) Rubén Guzmán - 27 de diciembre: Piñón Fijo y la magia de la música (2012) Francisco D'Intino

LEONARDO FAVIO

“Adónde irás con este sol” fue el título del tema musical de Juan Moreira, en versión de Leonardo Favio. Con ese coro, voces que parecen entonar un himno, aquel personaje un poco real, mucho de mito, alcanzaba la gloria destinada a los antihéroes. Para muchos, aquel Moreira estaba inspirado en las contradicciones que el mismo actor, cantante y director de cine habría vivir casi en simultáneo, uno de los muchos protagonistas de los sangrientos enfrentamientos que marcaron a fuego a todos los argentinos –como los de Ezeiza, a la vuelta de Juan Domingo Perón del exilio-, que prologaron otros todavía más oscuros. Ese Favio, que supo tocar el cielo con la punta de los dedos primero como actor, después como director y al mismo tiempo como compositor y cantante, murió el lunes 5 de noviembre, a los 74 años, victima principalmente de un largo cuadro de polineuritis y algunas complicaciones que lo fueron comprometiendo su sistema nervioso en la última década. Fuad Jorge Jury, ese era su verdadero nombre y apellido, había nacido en un barrio pobre de Luján de Cuyo en Mendoza, en 1938. Siendo casi un niño, y por delitos menores, estuvo encerrado por algún tiempo en un reformatorio. Más tarde, en Buenos Aires, probó suerte como seminarista y como cadete en la Armada, caminos que abandonó apenas recorridos. Dicen que con el uniforme del entonces aspirante a formar parte de la marina, marchó a la zona de Retiro donde sobrevivió a fuerza de pedir monedas. De nuevo en su provincia, y gracias a su madre, escritora de radioteatros, comenzó a incursionar él mismo como guionista e intérprete. A finales de la década del 50, Favio debutó en cine. Fue como extra en El ángel de España, protagonizada por Pedrito Rico, que dirigió Enrique Carreras, no obstante su primer papel importante lo tuvo en El secuestrador, de Leopoldo Torre Nilsson, ambientada en un barrio suburbano precario. Fue el impulso de Torre Nilsson que le permitió dirigir El Sr. Fernández (1958), su primer corto. Su carrera como actor de reparto continuó con un papel significativo de El jefe (1960), de Fernando Ayala, En la ardiente oscuridad (1959), de Daniel Tinayre, protagonizada por Mirtha Legrand, y Todo el año es navidad (1960), de Román Viñoly Barreto. Sin embargo, el impulso definitivo llegaría de la mano de Torre Nilsson, quien volvió a convocarlo para dos títulos que habrían de trascender aquí y en el exterior, como Fin de fiesta (1960) y La mano en la trampa (1961), años que coincidieron con El amigo (1960), su segundo trabajo corto. La demanda le impedía lanzarse a tiempo completo en la dirección, pero tuvo paciencia. Desde entonces, en paralelo al nacimiento de la conocida como Generación del 60, su carrera delante de cámaras no le dio respiro: Los venerables todos (1962), de Manuel Antín; El bruto (1962), de Ruben W. Cavallotti; Dar la cara (1962), de José Martínez Suárez, Paula cautiva (1963), nuevamente con Ayala y La terraza (1963), El ojo que espía (1966) y Martín Fierro (1968), las tres con Torre Nilsson, que dieron paso a sus trabajos ya como actor y cantante en Fuiste mía un verano (1969), de Eduardo Calcagno y Simplemente una rosa (1971), de Emilio Vieyra. Sin embargo, su consagración como artista llegó, desde 1964 en paralelo con la labor como actor, cantante, y director de prestigio, ya sea por el aplauso de la crítica como por el del público, cada vez más masivo. Su debut fue con Crónica de un niño sólo (1964), un ejemplo de genuino cine independiente de aquellos años en los que hacer cine con estas características era toda una proeza. A esta seguirían El romance del Aniceto y la Francisca (1967). Cuenta la historia que para conseguir las ofrendas florales suficientes como para filmar el velatorio del boxeador protagonista de Gatica, el mono en el Luna Park, recurrió a los deudos del actor Claudio Levrino, tras el accidente que le costó la vida, quienes le cedieron las coronas que de a montones había acercado a la casa de sepelios. Favio era así, un chico de la calle grande, hábil, buscavidas, un poco mentiroso, seductor, que se hizo director, lo confesaba, por el simple hecho que poder seducir a Bárbara Mugica, que aprendió de Leopoldo Torre Nilsson a decir “luz, cámara, acción” y mucho de estética, que pudo con la vida, a pesar de que la vida se encargó de pegarle unos cuantos golpes bajos. El filme, con claras referencias a su propia infancia que incluyó pasajes dolorosos en reformatorios, tuvo un inmediato aval de la crítica especializada y sirvió de toque de atención a los amantes del cine. En esa época comienza su carrera como cantante, obteniendo una fuerte respuesta popular y masiva con temas propios y ajenos que se convirtieron en éxitos del momento como "Ella ya me olvidó", "Fuiste mía un verano" y "Para saber lo que es la soledad" (“Tema de Pototo”, de Luis Alberto Spinetta). “Este es el romance del Aniceto y la Francisca, de cómo quedó trunco, comenzó la tristeza, y unas pocas cosas más”, es el título completo de la segunda película de Favio, que estrenó en 1967. Adaptación del cuento “El cenizo”, de su hermano Jorge Zuhair Jury, esta segunda película tuvo como figuras principales a Federico Luppi (su primer protagónico en el cine), Elsa Daniel, María Vaner y al hasta entonces locutor Edgardo Suárez. La película recibió los ocho de premios de la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina y es considerada, por buena parte de la crítica local, como una de las mejores de su filmografía. La tercera, y cierre de aquella trilogía fue "El dependiente", casi un "a puertas cerradas" con insuperables trabajos de Graciela Borges, y el recordado actor uruguayo Walter Vidarte. En 1967 se une a María Vaner, con quien convivió hasta 1973, actriz que debió marchar al exilio en 1974 con los dos hijos de ambos, luego de ser amenazada por la Triple A. Favio siguió el camino de Vaner, a partir del establecimiento de la dictadura militar en 1976, pero no fue a España como su ex mujer sino que se estableció en Colombia, vinculándose sentimentalmente con Carola, su segunda esposa. En 1972 fue invitado por Juan Domingo Perón a acompañarlo en el chárter que lo regresaría a la Argentina tras su largo exilio el 17 de noviembre. Con la vuelta a la democracia en 1973, y en coincidencia con su activa militancia política que volvía al primer plano, Favio lanzó la que se convertiría en su una suerte de obra cumbre, “Juan Moreira”, estrenada el 25 de mayo de ese año. Inspirada en el relato homónimo de Eduardo Gutiérrez, pero con la impronta de su hermano Zuhair Jury y la locura que él mismo le aportó pudo contar la historia de este antihéroe y su relación con la política, la violencia y la muerte. El tema, encarado esta vez en colores, con un diseño de producción que mostraba claramente su pasión por los relatos nacionales y populares, con una memorable actuación de Rodolfo Bebán, convirtieron a la película en un éxito de más de dos millones de entradas. En junio de 1973 fue designado para conducir el acto del retorno definitivo de Perón a la Argentina, el 20 de junio, que derivó en un enfrentamiento armado entre diferentes corrientes conocido como la Masacre de Ezeiza, en el que el artista intentó detener la violencia, sin conseguir su propósito de detener la tragedia que lo marcó a fuego. En 1975 estrenó “Nazareno Cruz y el lobo”, inspirado en una radionovela del escritor Juan Carlos Chiappe, película con la que llegó a la cumbre del éxito. Si bien no existe un registro exacto de los espectadores que la vieron, se sigue considerando al filme de Favio protagonizado por Juan José Camero y Alfredo Alcón, como el más taquillero de la historia del cine nacional, superando incluso a “El santo de la espada” y “El secreto de sus ojos”. Los personajes elegidos por Favio en esta etapa están condenados a un destino trágico, sean míticos, fantásticos, o los reales de “Soñar, soñar”, su película menos vista, en la que reunió a Carlos Monzón con el cantante Gian Franco Pagliaro, estrenada en coincidencia con el golpe militar de 1976. Durante buena parte de la dictadura, Favio emprende su vuelta a la balada romántica, con la que recorrió toda América Latina y con la que logró imponerse en varios países, un paréntesis de cine que se extendió hasta 1987. De esos tiempos son discos como “En concierto en Ecuador” (1978), “Aquí está Leonardo Favio” (1983), “Yo soy” (1985), “Amar o morir” (1987), “Más que un loco” (1988), además de numerosas presentaciones en vivo frente a multitudes. “Gatica, el mono” (1993) lo llevó a la reconstrucción histórica, viajar hasta la década del 50, el momento en que coincidieron el púgil José María Gatica con Juan Domingo Perón, una obra para la que convocó al entonces debutante Edgardo Nieva, reencuentro de Favio con el mejor cine y el éxito. Si bien nació como un encargo, el documental “Perón, sinfonía del sentimiento” (1999) se convirtió en una de sus obras más personales, tanto por el tema y la pasión que implicaba, como por su forma de encarar una historia que parecía inabarcable. El filme fue dedicado a Héctor J. Cámpora, Hugo del Carril, Ricardo Carpani, Rodolfo Walsh y al grupo de trabajadores y estudiantes del Grupo Cine Liberación, que impulsaron Fernando Solanas, Octavio Getino y Gerardo Vallejo. En la última década, y ya con un serio problema de salud (polineuritis) que impedía su fácil movilidad, Favio volvió a la carga con un sueño: el de convertir en ballet cinematográfico a “Aniceto”, tal como se llamó el filme protagonizado por Hernán Piquín, con música de Iván Wyszogrod, que ganó nueve premios Cóndor de Plata. Su último trabajo fue “La buena gente”, uno de los cortos integrantes del grupo de los dedicados al Bicentenario producidos por la Secretaría de Cultura de la Nación. En carpeta Favio atesoraba “El mantel de hule”, una historia en la que incluiría muchas referencias personales relacionadas con su infancia en Mendoza. De todos los grandes creadores de la historia del cine nacional, Favio fue el más genuino y el más identificable, curiosamente también el más exitoso. En su última aparición frente a público al recibir en 2009 los Cóndor de Plata por “Aniceto” predijo: “Nadie podrá decir de mí que fui un desagradecido”, y lo demostró agradeciendo el presente político y cultural de la Argentina“. Se lo va a extrañar.

PABLO FENDRIK FILMARA "EL ARDOR"

Pablo Fendrik comenzará la preproducción de “El ardor”, un proyecto que ya tiene dos años y piensa rodar en marzo próximo, con el mexicano Gael García bernal y Alice Braga. El director de “El asaltante” y “La sangre brota”, así como del corto “Hija del sol”, del grupo 25 Miradas-200 Minutos, es una coproducción entre Magma Cine (Argentina), Canana (México), Filmes Bananeira (Brasil) y Manny Films (Francia). El filme, anticipan, navega entre el western, la acción y la ecología, en la selva amazónica tiene como eje la historia de un chamán solitario que llega con su hija a una granja de tabaco, que es atacada por deforestadores. Según dijo Fendrik a la revista estadounidense Variety, se trata de un western en el que se aborda “la lucha del hombre con la naturaleza, en un entorno deslumbrante cada vez más arrasado por la deforestación”. La película, que contrará con el apoyo del Incaa y el CNC Cinema du Monde, no tiene todavía fecha de estreno, pero ya se sabe que BAC Films Internacional comenzará su venta internacional una vez comenzado 2013. La argentina Magma Cine, de Juan Pablo Gugliotta y Nathalia Videla Peña, que respaldaron los anteriores filmes de Fendrik, tienen en carpeta los estrenos de “Mala”, de Israel Adrián Caetano y “Pensé que iba a haber fiesta”, de Victoria Galardi.

IN MEMORIAM: OCTAVIO GETINO (1935-2012)

A los 77 años, falleció la madrugada del 1° de octubre el escritor, investigador de medios y director de cine y TV Octavio Getino, en la década del 60 uno de los fundadores del Grupo Cine Liberación. Nacido en la ciudad de León, en Castilla y León, España, el 6 de agosto de 1935 y en 1964 a los 28 años como escritor, ganó el premio Casa de Américas de Cuba por su libro de cuentos “Chulleca”. Entre sus múltiples tareas que precedieron a su incorporación al cine militante al mundo mencionaba la de trabajador metalúrgico, lavacopas y periodista entre otros. Integró el mítico Grupo de Cine Liberación, con Fernando Ezequiel Solanas, con quien escribió el guión de “La hora de los hornos”, filme hecho y exhibido en la clandestinidad, por años en las sombras. En ese mismo grupo participaron otras figuras importantes del cine nacional de urgencia, como Gerardo Vallejo Preciosamente en 1968, en 1968, Getino fue coguionista de “El camino hacia la muerte del viejo Reales”, que dirigió Gerardo valklejo. Recién en 1973, con el retorno de la democracia y el triunfo de Héctor J. Campora en las elecciones, previo a la vuelta de Juan Domingo Perón, se estrenó comercialmente la primera parte de “La hora de los hornos” En 1969, Getino rodó “Argentina, mayo de 1969: Los caminos de la liberación” y en 1971, con Solanas, “Actualización política y doctrinaria para la toma del poder”, que incluye una extensa entrevista con Juan Domingo Perón todavía en el exilio. También de 1971 es “Perón, la revolución justicialista”, y de 1972 data su primera ficción “El familiar”, en la que actualiza políticamente la leyenda de “el familiar”, personero demoníaco de la tierra destinado a apoderarse de cuerpo y espíritu de sus peones, según lo pactado con el dueño de las mismas, en el norte argentino. El filme, con guión coescrito con Jorge Honig y recién estrenado en 1975, tuvo como figuras centrales a Emilio Alfaro, Carlos Lagos, Carlos Muñoz, Martín Adjemian y Víctor Proncet Entre agosto y noviembre de 1973, precisamente durante el mandato de Héctor J. Cámpora fue nombrado interventor del Ente de Calificación Cinematográfica que había sido creado durante la dictadura de Juan Carlos Onganía no solo para la calificación sino además para la censura de cine, donde autorizó numerosos filmes que habían sido prohibidos con anterioridad, como “Ultimo tango en París”, decisión que le significó un proceso judicial. Perseguido y amenazado de muerte, se exilió primero en el Perú, donde presentó “La familia Pichilín”, y luego en México, donde continuó su obra fílmica y literaria. Nuevamente en democracia y tras su regreso al país, entre 1989 y 1990 fue director del Instituto Nacional de Cinematografía (en la actualidad Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales), del que se marcho en desacuerdo con la política nacional de entonces. En 1987 publicó “Incidencia del video en las cinematografías de siete países latinoamericanos y en 1992 estuvo a cargo del primer estudio realizado en América Latina sobre “Dimensión económica y políticas públicas de las industrias culturales”. Entre 2004 y 2007 coordinó el Observatorio de Industrias Culturales (OIC) de la Ciudad de Buenos Aires y el Observatorio Mercosur Audiovisual (OMA) de los organismos nacionales de cine de la región. De sus tareas más recientes se destaca la de haber sido Coordinador Regional del Observatorio del Cine y el Audiovisual Latinoamericano de la Fundación del Nuevo Cine Latinoamericano (OCAL-FNCL). Su tarea como docente fue notable en cursos de posgrado en FLACSO, filial Buenos Aires y en la Universidad Nacional Tres de Febrero.igual que la de consultor en organismos internacionales (UNESCO, PNUD, FAO y PNUMA) en temas de medio ambiente, comunicación y cultura en varios países de América latina. En cuanto a libros, publicó numerosos trabajos sobre temas del cine, la cultura y la comunicación latinoamericana y argentina. Entre los más recientes figuran: “El capital de la cultura: Las industrias culturales en Argentina y en la integración MERCOSUR” y “Cine iberoamericano: los desafíos del nuevo siglo”; También tuvieron reciente edición “Cine argentino: Entre lo posible y lo deseable”; “Turismo: entre el ocio y el negocio” y una nueva de su primera obra literaria “Chulleca”. Tenía un blog octaviogetinocine.blogspot.com.ar, en el que además de numerosos artículos se pueden ver sus películas.(publicada por Télam)