TRECE ESTRENOS LLEGAN EL ÚLTIMO JUEVES DE AGOSTO, SIETE ARGENTINOS

Los cines porteños despiden el que se conoció como “el mes del cine argentino”, con trece estrenos, siete de los cuales son nacionales, como “La quietud”, de Pablo Trapero, “Mi mejor amigo”, de Martín Deus; “Piazzola: los años del tiburón”, de Daniel Rosenfeld; “Pensando en él”, de Pablo Cpesar; “Con el viento”, de Meitxell Colell Aparicio; “Anton Pirulero”, de Patricio Escobar, y “Presagio, de Matías Salinas.

Del Uruguay llega ”Traigan el porro”, de Danny Brechner, Alfonso Guerrero y Marcos Hecht;“A la deriva”, de Baltasar Kormakur; “Mi ex es una espía”, de Susanna Fogel; “The Party”, de Sally Pottier; “La masacre de Texas: El origen de Leatherface”, de Alexandre Bustillo y Julien Maury;, y “Ouroboros”, de Basma Alshariff.

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“LA QUIETUD”

Dos hermanas se reencuentran después de mucho tiempo separadas, una regresa por el delicado estado de salud de su padre, mientras que la otra pretende que nada ha cambiado.

Junto a la madre, las tres se verán obligadas a reconstruir el pasado, revelar sus secretos escondidos y a enfrentar los desafíos que aparecen en el presente.

Pablo Trapero es uno de los grandes y premiados cineastas argentinos de las últimas dos décadas, autor de “Mundo Grúa”, “Familia rodante”, “Leonera” y “El Clan”, entre otras.

(idem, Argentina/2018) Dirección: Pablo Trapero. Guión: Pablo Trapero, Alberto Rojas Apel. Fotografía: Edición: Música: Micahel Nyman. Intérpretes: Martina Gusman, Berenice Bejo, Graciela Borges, Joaquin Furriel. Edgar Ramirez, Isidoro Tolcachir. Distribuidora: Sony-UIP. 120 min. SAM16, con reservas. 

 

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“MI MEJOR AMIGO”

Lorenzo es un adolescente que vive en la Patagonia, y un día su familia recibe en su casa a Caíto, el hijo de unos amigos que sufren una grave situación familiar y no pueden hacerse cargo de él.

Es un chico complicado y a pesar de las diferencias, nace entre los dos una singular amistad, Caíto, aún con sus cosas, tiene esa cuota de rebeldía para romper los estrictos moldes de Lorenzo.

Martín Deus Martín Deus nació en La Plata, Argentina, es egresado de la Escuela Internacional de Cine y TV de San Antonio de los Baños.

Es autor de videoclips para bandas como Tan Biónica y Bersuit Vergarabat, es profesor de guión en la FUC y dirección en la Escuela Profesional de Cine Eliseo Subiela, y este es su primer largometraje.

(idem, Argentina/2018) Dirección: Martín Deus. Guión: Martín Deus. Fotografía: Sebastián Gallo. Edición: Alberto Ponce. Música: Mariano Barrella. Intérpretes: Angelo Mutti Spinetta, Lautaro Rodríguez, Mariana Anghileri. Distribuidora: Primer Plano Film Group. 90 min. SAM13.

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“PIAZZOLLA, LOS AÑOS DEL TIBURÓN”

Un viaje visual y evocativo hacia el centro de la vida y la música del bandonenista y composito Ástor Piazzolla, con material inédito del músico en su intimidad. “Piazzolla: Los años del tiburón” es la primera película sobre Ástor que cuenta con la autorización y colaboración de la familia del músico, y por ello con archivos nunca antes vistos.

Daniel Rosenfeld nació en 1973 y es director, producción, guionista, productor asociado, asistente de dirección, producción ejecutiva, asistente de producción, y postproducción, es autor de “Saluzzi, ensayo para bandoneón para tres hermanos”, “La quimera de los héroes”, “Cornelia frente al espejo” y “Al centro de la Tierra”.

(idem, Argentina-Francia/2018) Dirección: Daniel Rosenfeld. Guión: Daniel Rosenfeld. Fotografía: Ramiro Civita. Edición: Alejandro Carrillo Penovi. Música: Astor Piazzolla. Intérpretes: Distribuidora: Digiicine. 96 min. ATP.

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“PENSANDO EN ÉL”

La historia transcurre en dos tiempos: la actualidad –con un personaje que viaja a la India- y la parte de época, que recrea la relaciónan entre Tagore y Victoria Ocampo, en 1924 – que es cuando se conocen; recrea una parte de Tagore en la India y otra parte en Argentina, junto a Victoria.

Pablo César es un cineasta independiente de larga trayectoria, autor de filmes como “La sagrada familia”, “Equinoccio: el jardín de las frutas”, “Fuego gris”, “Unicornio”, Afrodita” y “Sangre”.

(idem, Argentina.India/2018) Dirección: Pablo César. Guión: Jerónimo Toubes. Fotografía: Carlos Essmann. Edición: Liliana Nadal. Música: Gabriel Carbone, Fernando Sande. Intérpretes: Eleono Wexler, Héctor Bordoni, Jeronimo Toubes, Constanza Nacarato. Distribuidora: Independiente-Pablo Justino César. 110 min. SAM13.

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“CON EL VIENTO”

Cuenta la historia de Mónica, una bailarina de 47 años, que recibe una llamada desde España: su padre está muy enfermo, después de veinte años, debe volver al remoto pueblo de Burgos en el que nació. Cuando llega, su padre ha muerto. Su madre, con quien nunca tuvo una relación fluida, le pide que le ayude a vender la casa familiar. Llega el invierno. El perpetuo silencio, el extremo frío y enfrentarse a una familia disfuncional serán pruebas duras para Mónica, que se refugiará en lo que mejor conoce: la danza.

Es el debut como director de largometraje del cineasta español Meritxell Collel Aparicio.

(idem, Argentina-España/2018) Dirección: Merittxell Collel Aparicio. Guión: Merittxell Collel Aparicio. Fotografía: Julian Elizalde, Aurelien Py. Edición: Ana Platt. Música: Bernat Font. Intérpretes: Mónica García, Concha Galán, Ana Fernández. Distribuidora: Bellasombra SRL. 105 min. SAM13.

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“ANTON PIRULERO”

Documental que parte de la desaparición de Luciano Arruga en 2009 y que cinco años más tarde, en 2014, fue encontrado enterrado como NN en el Cementerio de la Chacarita.

Patricio Escobar es autor de los documentales “La crisis causó dos nuevas muertes”, “¿Qué democracia?” y “Bienaventurados los mansos”.

(idem, Argentina/2018) Dirección: Patricio Escobar. Guión: Patricio Escobar. Fotografía: Damián Finvarb. Edición: Damián Finvarb. Música: Intérpretes: Nahuel Prado, Juan Pablo Martini. Distribuidora: Patricio Escobar. 69 min. SAM13.

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“PRESAGIO”

Camilo, es un escritor atormentado por la muerte de su esposa y su pequeño en un accidente automovilístico, hecho que él mismo experimentó de forma premonitoria en un sueño.

Un psiquiatra lo ayuda a reconstruir su vida mientras buscan develar el misterio que se esconde tras el proceso de creación de su más reciente novela, “El lado oculto” y la aparición de un hombre misterioso que lo atormenta.

Es el debut de Fernando Matías Salinas en la dirección de un largometraje.

(idem, Argentina/2018) Dirección: Fernando Martías Salinas. Guión: Fernando Matías Salinas. Intérpretes: Distribuidora: Nicolás Munzel Camaño. 89 min. SAM13, con reservas.

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“TRAIGAN EL PORRO”

La Cámara Uruguaya de la Marihuana Legal viaja a los Estados Unidos para conseguir 50 toneladas de cannabis para abastecer al país. El gran líder de esta misión secreta es el entonces presidente José Mujica

Es el debut de los uruguayos Danny Brechner, Alfonso Guerrero y Marcos Hecht en la dirección de un largometraje.

(idem, Uruguay/2018) Dirección: Danny Brechner, Alfonso Guerrero y Marcos Hecht. Guión: Dany Brechner. Edición: Duane Rios. Intérpretes: Danny Brechner, Talma Friedler, Gustavo Olmos. Distribuidora: Cinemark Argentina SRL. 75 min. SAM16.

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“A LA DERIVA”

Un huracán devastador destroza el velero en el que viajan Tami y Richard, que queda gravemente herido, mientras que ella tiene que tomar el mando y encontrar ayuda en alta mar: no les queda comida ni agua, solo esperanza.

Baltasar Kormákur es es un productor y director de cine y teatro de origen hispano-islandés, autor de numerosos largometrajes que participaron en infinidad de festivales.

(“Adrift”, Estados Unidos-Hong Kong-Islandia/2018 ) Dirección: Baltasar Kormákur. Guión: Aaron Kandell, Jordan Kandell, David Bronson Smith. Fotografía: Robert Richardson. Edición: John Gilbert. Música: Volker Bertelmann. Intérpretes: Shalene Woodley, Sam Clafin, Jeffrey Thomas. Distribuidora: Diamond Films. 96 min. SAM13, con reservas.

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“MI EX ES UN ESPÍA”

Audrey y Morgan son dos amigas que se ven involucradas en una aventura llena de peligros cuando el exnovio de Audrey, un espía internacional, irrumpe en sus vidas con un ejército de asesinos pisándole los talones.

Susanna Fogel es guionista y productora, responsable de numerosas series para televisión y este es su debut en el cine como directora.

(“The Spy Who Dumped Me”, Estados Unidos/2018) Dirección: Susanna Fogel. Guión: Susanna Fogel, David Iserson. Fotografía: Barry Peterson. Edición: Jonathan Schwartz. Música: Tyler Bates. Intérpretes: Justin Theorux, Blanca Gyorfy Toth. Distribuidora: BF Paris Distribution. 117 min. SAM16.

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“THE PARTY”

Janet acaba de ser nombrada ministra del Gobierno, y por ello varios amigos se reúnen en una fiesta para celebrar su nombramiento, sin embargo todo terminará de la manera más inesperada.

Sally Potter es una prominente cineasta británica, autora de filmes como “Orlando” y “La lección de tango”.

(idem, Gran Bretaña/2018) Dirección: Sally Potter. Guión: Sally Potter Walter Donohue. Fotografía: Aleksel Rodonov. Edición: Emilie Orsini, Andrs Refn. Intérpretes: Timothy Spall, Kristin Scott-Thomas, Patricia Clarkson. Distribuidora: CDI. 70 min. SAM16.

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“LA MASACRE DE TEXAS-EL ORIGEN DE LEATHERFACE”

Precuela de “The Texas Chainsaw Massacre”, donde cuatro violentos adolescentes, Jackson, Bud, Clarice e Ike, se escapan de un hospital psiquiátrico secuestrando a una de las enfermeras.

La llevarán consigo en un viaje por carretera infernal en el que verán todo tipo de horrores, y serán perseguidos por Hal Hartman, un trastornado agente de la ley que busca venganza.

Quinto largometraje de Alexandre Bustillo, autor de “Adentro”, mientras que Julien Maury, que fue coguionista de es otro filme, comparte en este caso la dirección.

(“Leatherface”, Estados Unidos/2017) Dirección: Alexandre Bustillo, Julien Maury. Guión: Sean M. Sherwood, según los personajes creados por Kim Henkel y Tobe Hopper. Fotografía: Antoine Sanier. Edición: Sebastien de Sainte Croix, Josh Ehier. Música: John Fitzell. Intérpretes: Stephen Dorff, Lili Taylor. Distribuidora: SBP. 88 min. SAM18.

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“OUROBOROS”

Un homenaje a la Franja de Gaza, basado en el eterno retorno: Un viaje que sigue a un hombre a través de 5 paisajes diferentes, marca el final como el comienzo, el olvido como una manera de avanzar y el fracaso de la civilización.

Primer largometraje de Basma Alsharif, autor de cortos y documentales.

(idem, Palestina-Qatar-Francia-Bélgica/2018) Dirección: Basma Alsharif. Guión: Jessica Bellinger., Lauren Strom Berg, Coleman Collins. Fotografía: Ben Russell. Música: Yann Gourdon. Intérpretes: Jessica Bellinger, Lauren Strom Berg, Coleman Collins. Distribuidora: 85 min.

WESTERN A LA ARGENTINA. ´ABALLAY´, DE FERNANDO SPINER SOBRE UN RELATO DE ANTONIO DI BENEDETO

A principios del siglo XX, muy poco tiempo después de las primeras proyecciones de cine, ya se habían hecho populares en el Río de la Plata las películas cuya acción tenía lugar en el Far West, el Lejano Oeste; las de cowboys, es decir, vaqueros. Con las audacias de Asalto al tren blindado, de Edwin S. Porter, había nacido un género que en las seis décadas siguientes se convertiría en el bastión de Hollywood, la síntesis perfecta de su identidad, la de un país armado. El extremo acartonamiento de algunos cineastas de la década del 50 puso al descubierto la hipocresía que muchas veces sostenía aquellos relatos heroicos. Sin embargo, siempre hubo excepciones a aquellos lugares comunes: por ejemplo, el maestro John Ford.
Después de la Segunda Guerra Mundial, el género bélico comenzó a ganar posiciones, y el western entró en una encrucijada. En Italia, aprovechando la crisis en los grandes estudios de Estados Unidos, directores de segunda línea, algunos escondidos detrás de seudónimos sajones, crearon una versión propia de aquel género patentado. Menos prolija, menos heroica, igual de mítica pero, por sobre cualquier otra cosa y a pesar del colorinche, más creíble. La experiencia duró algún tiempo y lo más importante que dejó fue la sensación de que, más allá de los disfraces y las escenografías de cartapesta que simulaban calles del otro lado del océano, el género podía superar fronteras y épocas, de que podía ser universal.
En realidad, esa transposición ya venía ocurriendo, incluso desde antes de que Akira Kurosawa abrevara en el western a la hora de escribir y dirigir Los siete samuráis, al promediar la década del 50, film que Hollywood más tarde se encargó de reimportar, transformándolo en Los siete magníficos. Muchos años después hubo otra remake, en clave de ciencia ficción.
En la Argentina también hay ejemplos de películas que pueden considerarse westerns, por su estructura e incluso por su estética. En todo caso, tanto en la pampa como en el Far West, lo esencial es el hombre a caballo.
Un ejemplo fresco es Aballay, el hombre sin miedo, de Fernando Spiner. Autor de La sonámbula y de la miniserie Bajamar, la costa del silencio, aborda el género a su manera y ratifica su capacidad para contar historias que han superado las fronteras territoriales hace rato.

LA ÉPICA PATRIÓTICA

La primera aproximación argentina al western tuvo lugar en 1942, cuando el entonces joven director Lucas Demare, el poeta Homero Manzi y el escritor y periodista Ulyses Petit de Murat se unieron para adaptar La guerra gaucha, de Leopoldo Lugones. El resultado fue una obra de ficción con toques históricos que supo equilibrar épica con algo de western.
En ese año, el cine argentino había superado por primera vez el medio centenar de estrenos anuales. La guerra gaucha fue uno de los que más trascendieron. Aunque su tema se relaciona con el nacimiento de la patria, la anécdota no es otra cosa que una fábula que cristaliza una versión mítica de la lucha por la independencia. La obra de Demare es, sin lugar a dudas, un ejemplo de guión cinematográfico escrito con notable rigor y en el que ningún detalle queda librado al azar. El discurso de los protagonistas es algo pomposo, acorde con el estilo de Lugones, pero también con el de sus adaptadores, de extracción nacional y popular. La guerra gaucha es un extenso poema a la altura del mejor cine épico hollywoodense y, en consecuencia, del western, que el cine nacional seguiría incorporando a partir de allí con diferentes matices.
Tres años después, la apuesta del mismo trío autoral fue todavía mayor. Demare tuvo esa vez como colaborador al mendocino Hugo Fregonese, que venía de una larga experiencia en Hollywood. Allí, como parte del plantel de Columbia Pictures, Fregonese se había encargado de la supervisión técnica de películas con temática latinoamericana, y otra vez con la dupla Manzi-Petit de Murat hicieron Pampa bárbara, que confirmó una vez más la universalidad del género.
En un fortín en medio de la pampa, hacia 1830 (durante el gobierno de Juan Manuel de Rosas), el comandante decide traer, desde Buenos Aires, mujeres que cumplen condenas de prisión, para que los soldados no deserten. Esa es la punta argumental de esta sólida propuesta épica del cine argentino. Demare le impuso una estética más pulida que la de La guerra gaucha, mientras que Fregonese avanzó en la supervisión del guión, la misma tarea que tan buenos resultados habría de reportarle cinco años después, cuando en solitario encaró el policial negro Apenas un delincuente, con guión de dos críticos de cine, Chas de Cruz y Raimundo Calcagno (Calki).
La combinación de Fregonese y Demare, grandes directores, hizo de Pampa bárbara un mecanismo de relojería. Fregonese, en lo mejor de su carrera, con solamente 35 años, y Demare, con 38, en camino a ser nuevamente convocado por Hollywood, esta vez como realizador, pusieron la piedra fundamental del western criollo.

LA ÉPICA SOCIAL

La Patagonia rebelde, que Héctor Olivera filmó en 1972 tomando como base argumental Los vengadores de la Patagonia trágica, de Osvaldo Bayer, yuxtapone hechos reales a otros de ficción, sustentados por la vasta información que el autor del original volcó en sus páginas. El contexto sociopolítico de la Argentina de principios de la década del 70 le permitió a Olivera encarar un tema que había sido mantenido en reserva por la historia oficial durante décadas: la sangrienta represión del Ejército contra trabajadores rurales patagónicos que luchaban por reivindicaciones elementales a principios de los años 20. No era fácil la adaptación cinematográfica del libro, no sólo por su tinte político, sino porque había que llegar a una síntesis atractiva y efectiva desde el punto de vista cinematográfico.
El conflicto santacruceño tuvo características épicas que podían ser representadas, en alguna medida, con el lenguaje del western. Se trata de un enfrentamiento entre "buenos" y "malos", pero también queda claro el mensaje de que en toda puja de dimensiones puede haber zonas grises, además de excesos y hasta protagonistas que parecen estar alienados o que cometen atrocidades sin medir las consecuencias. El desenlace era ya conocido por el público, pero el guión hace pensar cuando pone en evidencia todo lo que condujo a ese desenlace. A la media hora de iniciado el relato, estalla la primera secuencia típica de los westerns: los protagonistas aparecen recortados con la nitidez característica de aquellos personajes de la épica estadounidense, que fue también la de la revisión del género impulsada por el cine italiano.
Los sucesivos enfrentamientos entre peones y soldados, cada vez más violentos y que, traiciones de por medio, terminan con los fusilamientos de los huelguistas, tienen la particularidad de estar encuadrados y editados como los mejores relatos del Oeste, sólo que esta vez en un contexto en que el eje son las reivindicaciones sociales, impensables en aquellos films rodados en los estudios de Hollywood, en Texas o en Almería. Allí se trataba de enfrentamientos entre hombres y mujeres honestos y forajidos, entre indios y soldados. En La Patagonia rebelde confluyen el western con los géneros histórico y de denuncia, la acción con la reflexión comprometida.
El film de Olivera recuerda a La guerra gaucha por el modo de presentar a los personajes tomados del libro de Bayer, aunque añade imaginación en la construcción de otros. Tal es el caso del teniente coronel a cargo del operativo, que confiesa haber recibido como única orden presidencial la de cumplir con su deber y que, algo confundido por su rígida formación militar, se deja alienar por la ferocidad. Una vez cumplido ese "deber", para nada preciso, en un final que esconde una pregunta clave, termina con la mirada perdida. La escenas en las que aparecen soldados que apuntan con pistolas y fusiles, desde automóviles y trenes, a peones de a caballo subrayan esa extraña frontera que entonces separaba los viejos tiempos de los nuevos.

LA ÉPICA DE LA UTOPÍA

En San Luis, la misma provincia en la que el multifacético Emilio Vieyra filmó su western en broma Los irrompibles (1974), casi dos décadas más tarde Adolfo Aristarain realizó Un lugar en el mundo (1992), en un punto equidistante entre los escenarios abiertos y los urbanos y con una trama contundente por su acento social. Aristarain, que había sido asistente de dirección, entre otros, del mismo Vieyra, pero también de Sergio Leone (uno de los máximos cultores del western en su variante spaghetti), eligió la historia de un maestro de escuela que sufre la crisis ideológica y generacional típica de quienes, como el propio Aristarain, soñaron con la utopía de un mundo mejor y chocaron contra la dura realidad de los años 70.
Ernesto hace un viaje a un pueblo de un remoto valle puntano, para recordar su infancia y las circunstancias que marcaron su vida cuando Mario y Ana, sus padres, en busca de cumplir con sus sueños, decidieron exiliarse voluntariamente de Buenos Aires para impulsar una cooperativa en una comunidad rural. La llegada de un geólogo español, contratado por el caudillo local para buscar petróleo, representa una amenaza para la forma de vida de los lugareños, ya que una compañía multinacional pretende quedarse con el lugar y exprimirle sus minerales hasta la última gota. Es el momento en que ese maestro, de impecable discurso, debe tomar una decisión. Y la toma.
La épica cobra una dimensión entre poética y política: cuando todo se cree perdido, las nuevas generaciones pueden, a partir de la memoria, recuperar la esperanza. Con Un lugar en el mundo, el western nacional da un nuevo giro y alcanza una dimensión superadora.

LA ÉPICA DE LO MARGINAL

Con Un oso rojo, el uruguayo Israel Adrián Caetano convirtió un relato típico de la serie negra en un western crepuscular, con viejos pistoleros en un mundo que no acepta sus códigos, esos que implicaban cierta noción de justicia y que daban lugar a la redención y a la esperanza. Oso estuvo siete años preso por robo y homicidio. Hombre de pocas palabras y violento, vuelve a su barrio suburbano, polvoriento, desolado. Allí hay un bar muy sórdido, que sólo tiene como clientes a delincuentes que no hacen otra cosa que jugar al pool y tomar cerveza. El grupo, liderado por un manco vestido con camisa roja de satén y chaleco negro, se enfrentará con el hombre que perdió la sonrisa y que tiene una meta pendiente. El día en que cayó preso, su hija cumplía un año, y ahora ya tiene ocho. Su ex esposa tiene nueva pareja: un buen hombre, pero un perdedor, acorralado por deudas de juego. En libertad condicional, Oso piensa que podrá recuperar el tiempo perdido, pero para hacerlo primero debe enfrentarse cara a cara con la muerte. Es que Oso, con una serie de movimientos fríamente calculados, cumple con su objetivo de terminar con lo peor de su pasado pagando un precio alto. El Oso deviene mito. El western se consuma una vez más.

LA ÉPICA DEL ESTILITA ECUESTRE

Aballay, el hombre sin miedo es un homenaje al cine. Aballay... transmite la pasión de Antonio Di Benedetto, autor del cuento, por el cine, y deja ver la admiración de su director y adaptador, Fernando Spiner, por Hugo Fregonese. En la versión cinematográfica están presentes la estética del western y la idea de la muerte anunciada. Ninguna de las dos cosas es casual.
Las metas tienen un precio muy alto, ya sean patrióticas, éticas, utópicas o justicieras. Y si de buscar justicia se trata, incluso por mano propia, una historia que bucea en el pasado, como la de Aballay..., puede encontrarle un nuevo sabor local al género. "Matar es terrible. Lo que viene después es peor", dice la leyenda del afiche.
Aballay es un bandolero impiadoso que busca redimirse. La mitología popular lo convierte en santo, al mismo tiempo que el hijo ya adulto de una de sus víctimas busca venganza.
"Cuando leí 'Aballay', hace veinte años, se me metió en la cabeza que tenía que ser una película, y desde entonces no me detuve. Tiene mucho de western: el territorio por conquistar y personajes sin ley y de a caballo, y además tiene la venganza como tema -dice Spiner, en diálogo con adn-. Aballay es un personaje complejo. Es el eje de la historia movido por una suerte de obcecación, porque el tipo no se baja nunca más del caballo, y la trama se completa con el tema del vengador, que viene en busca de un asesino y se encuentra con un santo."
Cuando apareció el libro original de Antonio de Benedetto, Julio Cortázar escribió:
La presencia desde el pasado se da como un juego óptico alucinante: el personaje se sitúa en el tiempo mental y místico de los estilitas, y el autor, en el tiempo del personaje, la pampa argentina del siglo XIX. Un pasado próximo se hunde así en otro pasado remoto; de ese juego de ecos temporales nace, creo, la intensa reverberación de "Aballay", su caracol ahondando en el oído del lector, una interminable teoría de retrocesos; y la gran maravilla es que se retrocede hacia delante, hacia cada uno de nosotros mismos con nuestras culpas y con nuestras muertes, con la esperanza de un rescate que hace del gaucho Aballay uno de tantos argentinos de hoy, de ahora.

SPINER Y LOS GÉNEROS

Después de haber hecho cortometrajes como Testigos en cadena y Balada para un Kaiser Carabela, con Luis Alberto Spinetta, y el video Ciudad de pobres corazones, con Fito Páez, Fernando Spiner saltó al éxito internacional con el culebrón televisivo Cosecharás tu siembra. En 1994, fue uno de los pilares de Poliladron, que abandonó después de darle un estilo que -no es lugar común- trazó una línea divisoria entre lo viejo y lo nuevo en la TV local.
En 1996 dirigió la primera miniserie argentina, Bajamar, la costa del silencio, con guión compartido con Pablo De Santis. Se vio aquí y en toda América latina. En 1998 logró que una empresa de posproducción recién inaugurada le aportara los audaces efectos especiales de La sonámbula, una ambiciosa historia de ciencia ficción en una Buenos Aires futura y ominosa, según un relato de Ricardo Piglia. La película tuvo como figuras centrales a Eusebio Poncela y Gastón Pauls.
Después del esfuerzo considerable que significó esa película, el cineasta se recluyó en Villa Gesell, donde está buena parte de su pasado y de su familia. Después volvió al cine, con la disparatada comedia de ciencia ficción Adiós, querida luna, con Horacio Fontova y Gabriel Goity disfrazados de astronautas. Más tarde, mientras seguía entrando y saliendo de la TV, con Víctor Laplace y un guión de Juan Pablo Young, realizó Angelelli, la palabra viva, acerca del asesinato del obispo de La Rioja Enrique Angelelli, en agosto de 1976 (puede verse en el sitio Angelelli, La Palabra Viva. Al mismo tiempo seguía avanzando en un viejo proyecto de western gaucho, sobre "Aballay", el cuento del periodista y narrador mendocino Antonio Di Benedetto.
"Lo leí en 1989, mientras estaba en Roma, me gustó mucho y empecé a pensar que podía ser una película. Algunos cuentos son más cinematográficos que muchas novelas, pero lo difícil es convertirlos en largometrajes. El trabajo de adaptación es mucho mayor. El impacto que te produce un cuento es lo realmente atractivo", asegura el director.
"Mi western favorito -revela- es El tesoro de la Sierra Madre, de John Huston, y como si mi fanatismo por el género fuese poco, estudié cine en Italia durante el gran furor por Sergio Leone. La película de Huston tiene una idea muy interesante sobre la ética. No es un western clásico por su estructura, pero tiene mucha trama y ahonda en las miserias humanas. A diferencia de otras películas inspiradas en el género, creo que Aballay es un western en toda la extensión de la palabra. Se trata de un hombre de a caballo, con territorios inmensos por conquistar. No hay personajes buenos, excepto la única mujer de la historia, que actúa por pasión y por amor, por más que finalmente sea un amor platónico."
Más allá de Huston, la mayor influencia de Spiner fue la de Hugo Fregonese. "Cuando volví de mi curso en Italia, alquilé una casita en el delta de Tigre, y ocurrió que allí mismo había vivido Fregonese durante sus últimos años. Fue el cineasta argentino que hizo más westerns en Hollywood. Cada vez que yo pagaba el alquiler, su sobrina me regalaba algo que había sido del tío. Tengo el poncho de Francisco Petrone en Pampa bárbara, el guión, apuntes, una adaptación del Don Quijote que iba a filmar con Anthony Quinn, fotos, notas. Casi, casi un altar de Hugo Fregonese", confiesa Spiner.

ANTONIO DI BENEDETTO, MAESTRO DE LA PALABRA

Antonio Di Benedetto nació en 1922, en Mendoza, y murió en 1986, en Buenos Aires. Tres de sus relatos, de los más importantes, fueron proyectos cinematográficos, pero solamente dos llegaron a concretarse. El primero fue Zama, publicado en 1956, una historia sumamente compleja de trasladar al cine, ya que narra, en primera persona, diez años de la vida de Diego de Zama, funcionario de la corona española en Asunción del Paraguay. Es una historia de esperas y esperanzas en el último tramo del siglo XIX, contada en tres etapas. Juan José Saer ha dicho que no es una novela histórica, como muchos suponen, sino una "refutación deliberada de ese género". Fue más contundente todavía al asegurar: "Zama es, por ciertos aspectos de su concepción narrativa, comparable a las obras mayores de la narrativa existencialista, como La náusea y El extranjero. Yo creo, sin embargo, que por las circunstancias en que fue escrita y la situación peculiar de la persona que la escribió, Zama es en muchos sentidos superior a esos libros".
"Yo quería escribir para el cine -ha explicado Di Benedetto-, pero en general no soy nada más que un espectador de cine, y también periodista cinematográfico. Es una actividad excelente, porque se puede viajar mucho. Una vez fui al festival de Berlín, otra vez al de Cannes, y otra a Hollywood, con los Oscar. También estuve en otros mercados anuales de vanidad. Es muy entretenido. En el festival de Mar del Plata una vez me pusieron en el Jurado Internacional de la Crítica."
En verdad, Di Benedetto se acercó a la literatura a partir del periodismo. En este sentido, su labor fue muy extensa. Colaboró en numerosas publicaciones, incluso en LA NACION. Fue después corresponsal del diario La Prensa en el exterior y desde 1964 ocupó el cargo de secretario de redacción en el matutino Los Andes, de su provincia. Allí creó la sección dominical de Espectáculos, Letras y Variedades y el suplemento deportivo de los lunes. En 1968, se convirtió en subdirector de Los Andes y del flamante vespertino El Andino.
A partir de 1972 comenzaron los problemas con los militares y los sucesivos gobernantes provinciales, hasta que llegó 1976. Poco después de su pública defensa de la constitucionalidad frente a la inminencia del golpe, la mañana del 25 de marzo, varios militares irrumpieron en la redacción de Los Andes con una orden de detención, y así comenzó un calvario de dieciséis meses de cárcel y torturas (que habrían terminado gracias a una carta enviada por el Premio Nobel Heinrich Böll a Jorge Rafael Videla), en los que sufrió golpes y cuatro simulacros de fusilamiento.
Adelma Petroni, una escultora amiga del escritor, contó que estando en prisión, y como le rompían los manuscritos, a Di Benedetto se le ocurrió escribir cartas. Y así, entre otros relatos, escribió "Aballay". Una vez libre, con el anticipo que le envió su editor, pudo exiliarse en España, de donde regresó en 1984, dos años antes de su muerte.
"Me pregunté no por qué vivía, sino por qué había vivido. Supuse que por la espera, y quise saber si aún esperaba algo. Me pareció que sí. Siempre se espera más." Así termina Zama, relato que apasionó al director Nicolás Sarquís. En 1985, encaró una coproducción con España (subtitulada Espera en medio de la tierra). Por su presupuesto, se anunció que sería la más importante del cine argentino desde la vuelta de la democracia. Se comenzó a rodar en Paraguay y en la Argentina, con el catalán Mario Pardo Rodríguez, de larga trayectoria en la TV española, Charo López, Héctor Alterio y un gran elenco, pero antes de lo pensado y a raíz de varios conflictos (la demora en la obtención de permisos para filmar en monumentos públicos e iglesias de Asunción, que fueron otorgados cuando el equipo de producción ya llevaba seis meses instalado en la ciudad en el Centro Paraguayo de Teatro, además de un juicio iniciado por Pardo), quedó sólo con unas escenas terminadas.
La primera obra de Di Benedetto llevada al cine fue la producción independiente Los suicidas (2006), dirigida por Juan Villegas. La segunda fue Aballay.
Dijo Saer en 1973, en un artículo dedicado a su amigo Sarquís: "Hay un estilo Di Benedetto, reconocible incluso visualmente, del mismo modo que hay un estilo Macedonio, o Borges, o Juan L. Ortiz. Este mérito puede muy bien ser secundario; pero que yo sepa no lo encontramos en la Argentina en ningún otro narrador contemporáneo de Di Benedetto". Fernando Spiner tratóde llevarlo al cine sin traicionarlo.

CATE BLANCHETT ENCABEZÓ UN RECLAMO POR EL #METOO EN CANNES

Una vez mas el movimiento #MeToo ocupa el centro de atención del mundo del espectáculo de Cannes ayer, cuando Cate Blanchett, así como otras artistas y cineastas se agruparon para agitar el tratamiento de las mujeres en el negocio del cine. 
Según informó Variety participaron 82 mujeres  una referencia al número de directoras que han subieron por la escalera de la Sala Lumiere, conocido como 'el Palais', sede del festival, desde 1983, y en la anterior, el Palais Croisette, desde su primera edición.
Desde 1946 al presente, 1866 directores hombres tuvieron esa exposición, dijo  Blanchett en un comunicado en el que las mujeres unieron sus voces: "Las mujeres no son una minoría en el mundo, sin embargo, el estado actual de la industria dice lo contrario",
"Como mujeres, todos enfrentamos nuestros propios y únicos desafíos, pero hoy nos unimos en estas escaleras como un símbolo de nuestra determinación y compromiso con el progreso", aseguró, logrando que su convocatoria se extendiera de inmediato.
"Somos escritoras, productoras, directoras, actrices, directoras de fotografía, representantes, montajistas, distribuidoras, agentes de ventas y todas los involucradas en las artes cinematográficas ", señaló junto a una gran cantidad de figuras mundiales.
La directora Agnes Varda agregó que "Las escaleras de nuestra industria deben ser accesibles para todos. Escalemos ", y todo el resto estalló en festejos, en referencia a un festival en el que solo tres de las 18 películas en competencia son de mujeres cineastas.
La marcha fue organizada por un nuevo movimiento 5050 × 2020, que reclama igualdad de género y diversidad en la industria cinematográfica francesa, y precedió a la gala de "Mujeres del sol", acerca de combatientes por la libertad en Kurdistan, de Eva Husson.
El productor de esta coproduccion franco-belga, protagonizada por Golshifteh Farahani y Emmanuelle Bercot, Didar Dohmeri, dijo que "El evento está subrayando el hecho de que ha habido un despertar sobre la necesidad de una mayor igualdad de género".
"Hay mucho trabajo por hacer en Francia en comparación con el Estados Unidos, donde iniciativas similares han reunido a tanta gente. Es estratégico usar Cannes para destacar estos temas " dijo, y que "...se debe alentar a más mujeres a que envíen sus películas al festival.

SPIELBERG, EL FUTURO, EL CINE, LOS VIDEOGAMES Y LA REALIDAD VIRTUAL

Steven Spielberg convoca a la nostalgia de la últimas décadas del siglo XX en su nueva película "Ready Player One" que se estreno este jueves, valiéndose de un inmenso videogame producto de la realidad virtual, que según observa en perspectiva como mediados del siglo XXI, y por obra de las corporaciones, podría terminar dominando la escena mundial, superando cualquier barrera cultural, social o política conocida. 

El tema, que encara desde lo espectacular, con un minucioso diseño de arte, aporta algunos apuntes que, para un hombre del mismo poder como Spielberg, y en el orden de lo simbólico, devienen desafiantes porque abordan un futuro distópico en el que la supervivencia y el deseo se subsumen a un descomunal videogame, del que nadie, en medio de la crisis, parece poder escapar.
El filme cuenta con las actuaciones de Tye Sheridan que encarna al protagonista Wade Watts, Olivia Cooke, Ben Mendelsohn, Mark Rylance y Simon Pegg, entre otros actores. 
El videogame Oasis es de rol multijugador masivo en línea (los MMORPG, sigla en inglés de "massively multiplayer online") es el escenario de un mundo paralelo en donde tiene lugar buena parte de la vida de la mayoría de los mortales, forzados por la misma megaestructura del poder económico a refugiarse en enormes favelas puro metal, con códigos típicos de barrios de emergencia.
Apiladas en torres gracias a estructuras estilo mecano, los containers-pocilgas albergan a hombres y mujeres, grandes y chicos, forzados a pelear día y noche por sus necesidades básicas, provenientes a medias de ese juego que juegan hace rato, hipnotizados por una zanahoria que cuelga a centímetros de sus ojos pero que es muy difícil, casi utópico, poder alcanzarla nunca.
Spielberg tiene 71 años y una fortuna que supera los 3,6 billones de dólares, una edad en la que ya no se puede perder el tiempo, frente a leyes de oferta y demanda cada vez más impiadosas, y al igual que su colega Martin Scorsese, apenas mayor que él, descubrió que era hora de escribir los capítulos decisivos de su extensa, valiosa y variopinta filmografía, propia y ajena.
Scorsese le ganó de mano al presentar hace siete años "Hugo", una excusa para homenajear a toda la historia del cine, pero Spielberg no se quedó con las manos vacías porque el novelista Ernest Cline escribió, hace siete años un relato con intenso aroma a guión potente también un homenaje en perspectiva reciente, al cine, y a los exponentes del cine y el videogame.
El planteo que tiene que ver con la generación de sus hijos-nietos, impone una visión nada piadosa del futuro de la humanidad (mucho más intensa en el libro) del mismo capitalismo al Spielberg pertenece, y lo hace con toda la fortuna -intelectual y por descontado económica- que tiene a su mano, desplegándola en cada imagen recargada que sigue a la otra, en una carrera desenfrenada.
El libro de Cline, que puede ser traducido en forma literal como "Listo Jugador 1", transcurre en el año 2045 cuándo un mega millonario, mezcla de Bill Gates con el cientifico Emmet Brown de "Volver al futuro", el creador de Oasis, una "escotilla de escape a la felicidad", muere y deja su herencia escondida dentro de su propia obra, a la que sólo podrá acceder el jugador más avezado.
Sin embargo, no será tan sencillo como parece en un mundo en donde la gente vive hacinada y todos trabajan cómo "gamers" en ese mundo virtual, en el que juntan monedas cada vez que liquidan a un enemigo y a la vez se endeudan cada vez que son alcanzados por las armas de sus contrincantes.
Una empresa competidora utiliza a los jugadores endeudados en las ciberbatallas como sixers, esclavos peleadores que no descansan con tal de cubrir sus saldos negativos y volver a su vida en una libertad precaria, algo que por lo visto es bastante difícil cuando no imposible en ese mundo del no-futuro, donde no asoma la política, porque en el planeta Tierra, la única opción es "evadirse".
El protagonista de esta historia es uno de esos chicos que han vivido toda su vida delante de un monitor- o como ya en en el presente, con sus anteojos de visión 360 grados y un ajustado uniforme linkeado, que lo convierte en un avatar que puede moverse con libertad en ese universo en el que todo es absolutamente posible, como si fuese una "realidad real" y no una fantasía digital hiperrealista.
Spielberg sabe como unir un relato literario narrado en primera persona, muy entretenido y lleno de referencias, con la trama perfecta que lo justifica, ideal también para quienes se formaron, crecieron y llegaron a adultos con joysticks en sus manos -alucinógenos legales secos y limpios- en medio de un mundo cada vez más corrupto, conflictivo y contaminado, camino a una segura autodestrucción.
Es difícil dimensionar si el director de gemas como "Tiburón", "Encuentros cercanos", "Indiana Jones", "La lista de Schindler", "Minority Report", así como otras, con idas y venidas, consigue esta vez lo que busca, que el protagonista -el desasosegado Wade Owen Watts y su avatar Perceval- sea el chico con el que todos podamos identificarnos, en un mundo cada vez menos esperanzado.
El resto es saber como poder armar el cóctel de homenajes a obras tan diferentes como "El ciudadano" y "Willy Wonka y la fábrica de chocolates", "King Kong", "El resplandor", "Alien, el octavo pasajero", "Volver al futuro" y "El gigante de hierro", entre las más identificables de una gran lista, pero también a una inacabable diversidad de videogames y guiños para cinéfilos y nostálgicos.
El ritmo de tiempo real es demoledor, y en eso es clave el diseño de la trama pero también de imágenes con cientos de personajes y artefactos que se mueven a lo largo de un camino (de paso también es una road-movie), por el que corren una carrera y a la vez resuelven la estrategia -los "huevos de pascua"- que le permitirán acceder a tres llaves que son claves para alcanzar la meta.
La gráfica puede recordar tanto a viejos juegos como Pac-Man y Robotron o a la saga de "El Señor de los Anillos", las bromas se superponen y terminan escapándose incluso a los más atentos, con excepción de algunas memorables, como el cubo de Rubik que aquí es el "de Zemeckis" y permite viajar un minuto atrás en el tiempo de esa especie de "Matrix", para resolver cualquier error cometido.
Es imposible llevar registro de las citas de esta búsqueda de un Santo Grial de la cultura pop, desde la Commodore 64, Buckaroo Banzai y la serie "Cosmos" hasta Freddy Krueger, G.I. Joe, Godzilla o "Street Fighter", y las filosóficas-literarias más de medio centenar, entre ellas a textos de William Shakespeare, Kurt Vonnegut, Stepehn King, Ray Bradbury, J.R.R. Tolkien, y Anthony Burgess, 
Ahí está Spielberg con todos sus ingredientes actualizados a su manera, con su homenaje al cine y a la nueva estética y dinámica aportada por los videogames a la cultura millennial, con la siempre precisa fotografía de Janusz Kaminski, y esta vez las acertadas elecciones de Tye Sheridan; Mark Rylance como el propietario del Oasis y su avatar Anorak, y Olivia Cooke, como Olivia y su avatar Ar3mis.

OSCAR: TODOS LOS CANDIDATOS DE 2018

Película
“Llámame por tu nombre”, de Luca Guadagnino
“Las horas más oscuras”, de Joe Wright
“Dunkerque”, de Christopher Nolan
“¡Huye!, de Jordan Peele
“Lady Bird”, de Greta Gerwig
“El hilo fantasma”, de Paul Thomas Anderson
“The Post: Los oscuros secretos del Pentágono”, de Steven Spielberg
“La forma del agua”, de Guillermo Del Toro
“3 anuncios por un crimen”, de Martin McDonagh

Dirección
Christopher Nolan (“Dunkerque”)
Jordan Peele (“¡Huye!”)
Greta Gerwig (“Lady Bird”)
Paul Thomas Anderson (“El hilo fantasma”)
Guillermo del Toro (“La forma del agua”)

Actor
Timothée Chalamet (“Llámame por tu nombre”)
Daniel Day-Lewis (“El hilo fantasma”)
Daniel Kaluuya (“¡Huye!”)
Gary Oldman (“Las horas más oscuras”)
Denzel Washington (“Roman J. Israel, Esq.”)

Actriz
Sally Hawkins (“La forma del agua”)
Frances McDormand (“3 anuncios por un crimen”)
Margot Robbie (“I, Tonya”)
Saoirse Ronan (“Lady Bird”)
Meryl Streep (“The Post: Los oscuros secretos del Pentágono”)

Actor de reparto
Willem Dafoe (“El Proyecto Florida”)
Woody Harrelson (“3 anuncios por un crimen”)
Richard Jenkins (“La forma del agua”)
Christopher Plummer (“Todo el dinero del mundo”)
Sam Rockwell (“3 anuncios por un crimen”)

Actriz de reparto
Mary J. Blige (“Mudbound: El color de la guerra”)
Allison Janney (“I, Tonya”)
Lesley Manville (“El hilo fantasma”)
Laurie Metcalf (“Lady Bird”)
Octavia Spencer (“La forma del agua”)

Película de animación
“Un jefe en pañales”- Productores: Tom McGrath, Ramsey Ann Naito
“The Breadwinner” - Productores: Nora Twomey, Anthony Leo
“Coco” - Productores: Lee Unkrich, Darla K. Anderson
“Olé: El viaje de Ferdinand” - Productor: Carlos Saldanha 
“Loving Vincent” - Productores: Dorota Kobiela, Hugh Welchman, Sean Bobbitt, Ivan Mactaggart, Hugh Welchman

Guión Adaptado
“Llámame por tu nombre”, James Ivory
“The Disaster Artist: Obra maestra”, Scott Neustadter y Michael H. Weber
“Logan”, Scott Frank, James Mangold y Michael Green
“Apuesta maestra”, Aaron Sorkin
“Mudbound: El color de la guerra”, Virgil Williams, Dee Rees

Guión Original
“Un amor inseparable”, Emily V. Gordon y Kumail Nanjiani
“¡Huye!”, Jordan Peele
“Lady Bird”, Greta Gerwig
“La forma del agua”, Guillermo del Toro y Vanessa Taylor
“3 anuncios por un crimen”, Martin McDonagh

Fotografía
“Blade Runner 2049”, Roger Deakins
“Las horas más oscuras”, Bruno Delbonnel
“Dunkerque”, Hoyte van Hoytema
“Mudbound: El color de la guerra”, Rachel Morrison
“La forma del agua”, Dan Laustsen

Documental
“Abacus: Small Enough to Jail“ - Productores: Steve James, Mark Mitten y Julie Goldman
“Faces Places”/”Visages Villages” -  Productores: JR, Agnès Varda y Rosalie Varda
“Icarus”- Productores: Bryan Fogel y Dan Cogan
-”Last Men in Aleppo”-  Productores: Feras Fayyad, Kareem Abeed y Soren Steen Jepersen
“Strong Island” -  Productores: Yance Ford y Joslyn Barnes

Edición
“Baby: El aprendiz del crimen”, Jonathan Amos, Paul Machliss
“Dunkerque”, Lee Smith
”I, Tonya”, Tatiana S. Riegel
“La forma del agua”, Sidney Wolinsky
-”3 anuncios por un crimen”, Jon Gregory

Edición de sonido
“Baby: El aprendiz del crimen”, Julian Slater
“Blade Runner 2049”, Mark Mangini, Theo Green
“Dunkerque”, Alex Gibson, Richard King
“La forma del agua”, Nathan Robitaille
“Star Wars: Los últimos Jedi”, Ren Klyce, Matthew Wood

Mezcla de sonido
“Baby: El aprendiz del crimen”, Mary H. Ellis, Julian Slater, Tim Cavagin
“Blade Runner 2049”, Mac Ruth, Ron Bartlett, Doug Hephill
“Dunkerque”, Mark Weingarten, Gregg Landaker, Gary A. Rizzo
“La forma del agua”, Glen Gauthier, Christian Cooke, Brad Zoern
“Star Wars: Los últimos Jedi”, Stuart Wilson, Ren Klyce, David Parker, Michael Semanick

Diseño de producción
“La Bella y la Bestia”, Sarah Greenwood; Katie Spencer
“Blade Runner 2049”, Dennis Gassner, Alessandra Querzola
“Las horas más oscuras”, Sarah Greenwood, Katie Spencer
“Dunkerque”, Nathan Crowley, Gary Fettis
“La forma del agua”, Paul D. Austerberry, Jeffrey A. Melvin, Shane Vieau

Banda de Sonido Original
”Dunkerque”, Hans Zimmer
“El hilo fantasma”, Jonny Greenwood
“La forma del agua”, Alexandre Desplat
“Star Wars: Los últimos Jedi”, John Williams
“3 anuncios por un crimen”, Carter Burwell

Canción Original
“Mighty River”-  Mary J. Blige - “Mudbound: El color de la guerra”
“Mystery of Love” - Sufjan Stevens - “Llámame por tu nombre” 
“Remember Me” - Kristen Anderson-Lopez, Robert Lopez - “Coco” 
“Stand Up for Something” - Diane Warren, Common - “Marshall”
”This Is Me” - Benj Pasek, Justin Paul - “El gran showman” -

Maquillaje y Peinados:
“Las horas más oscuras” - Kazuhiro Tsuji, David Malinowski, Lucy Sibbick
“Victoria y Abdul”, Daniel Phillips, Lou Sheppard
“Extraordinario”, Arjen Tuiten

Vestuario:
“La Bella y la Bestia” - Jacqueline Durran
“Las horas más oscuras” - Jacqueline Durran
“El hilo fantasma” - Mark Bridges
“La forma del agua” - Luis Sequeira
“Victoria y Abdul” - Consolata Boyle

Efectos Visuales:
“Blade Runner 2049” - John Nelson, Paul Lambert, Richard R. Hoover, Gerd Nefzer
“Guardianes de la Galaxia Vol. 2” - Christopher Townsend, Guy Williams, Jonathan Fawkner, Dan Sudick
“Kong: La Isla Calavera” - Stephen Rosenbaum, Jeff White, Scott Benza, Mike Meinardus
“Star Wars: Los últimos Jedi” - Ben Morris, Mike Mulholland, Chris Corbould, Neal Scanlon
“El Planeta de los Simios: La Guerra” - Joe Letteri, Dan Lemmon, Daniel Barrett, Joel Whist

Cortometraje de animación:
“DeKalb Elementary”, de Ree van Dyk
“The Eleven O’Clock”, de Derin Seale
“My Nephew Emmett”, de Kevin Wilson Jr.
“The Silent Child”, de Chris Overton
“Watu Wote: All of Us”, de Katja Bennat

Cortometraje documental:
“Edith+Eddie”, de Shilo Mifsud
“Heaven is a Traffic Jam on the 40s”, de Frank Stiefel
“Heroin(e)”, de Elaine McMillion Sheldon
“Knife Skills”, de Thomas Lennon
“Traffic Stop”, de Gina Kementzki y Julie Zammarchi

Cortometraje de ficción:
“Dear Basketball, de Glen Keane
“Garden Party, de Florian Babikian, Vincent Bayoux, Victor Caire, Téophile Dufresne, Gabriel Grapperon, Lucas Navarro.
“Lou”, de Dave Mullins (Pixar)
“Negative Space”, de Ru Kuwahata y Max Porter
“Revolting Rhymes”, de Jan  Lachauer, Jakob Schuh y Bin Han To

Película hablada en idioma extranjero (no inglés)
“Una mujer fantástica”, de Sebastián Lelio (Chile-España-Estados Unidos)
“The Insult”, de Ziad Doueir (Líbano-Bélgica-Siria-Francia)
“Loveless”, de Andrey Zvyagintsev (Rusia-Francia-Alemania-Bélgica)
“On Body and Soul”, de Ildikó Enyedi (Hungría)
”The Square”, de Ruben Östlund (Suecia-Alemania-Francia-Dinamarca)

TALLERES DE PERIODISMO AUDIOVISUAL 4X4X4

4 clases semanales mensuales, 4  meses, para 4  alumnos

cada una

Propuesta de temas de discusión

Discusión revisionista (dialogo entre el cine y la sociedad)

Un poco de historia

Certeza informativa, opinión, crítica, entrevista

Construcción y demolición de la crítica. El fin de la crítica.

Distintos formatos de la critica. Perspectiva.

Periodismo multimedia

Los medios: Gŕaficos y Audiovisuales

Pantallas

Innovación

(temas a tratar de historia por cuatrimestre, 

cine argentino, estadounidense, europeo, nuevos cines)

Practicas y Puesta de Situación

Trabajos Prácticos: Exposición y Discusión. Bibliografía

Mesa de cuatro (+ expositor)

De 20 a 22. Jueves o Viernes. Marzo, Abril, Mayo, Junio. Recoleta

$ 1800 Mensuales

Más consultas al email claudio.minghetti@gmail.com